domingo, 31 de enero de 2016





Rodrigo González


“Rockdrigo” nació en Tampico, Tamaulipas, hijo del ingeniero naval Manuel González Sámano  y Angelina Guzmán.

Durante su infancia y adolescencia “Rockdrigo” se nutrió de la tradición musical de la huasteca tamaulipeca y del rock y  blues en lengua inglesa.

Concluyó su educación media superior y formó parte de varios grupos de rock en su natal Tampico. También incursionó en el teatro y la literatura.

Abandonó la carrera de psicología en la Universidad Veracruzana y hacia 1975 se fue a vivir a la Ciudad de México. Durante sus primeros años en la ciudad, formó un dueto de canto nuevo con su amigo Gonzalo Rodríguez. 

En 1976, Rodrigo González, Gonzalo Rodríguez y otros amigos músicos interpretaron algunas piezas originales en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes.


Con el tiempo, “Rockdrigo” llegó a trabajar al lado de Javier Bátiz en un bar de la glorieta de Insurgentes llamado Wendy's Pub, alternando con muchos grupos. 

Fue ahí donde lo conoció al famoso escritor “de la onda” José Agustín, quien le escribió una reseña en el diario "Unomásuno", en la cual declaraba: 

"Si ya hay en el rock de México quien domine a la perfección la técnica, la cadencia y el ritmo junto con un talento para componer canciones que retraten nuestra realidad a la altura de nuestros grandes compositores como José Alfredo Jiménez o Chava Flores, no puedo más que decir que, de entrada, con Rodrigo González tenemos un rock más complejo, crítico e inteligente..."


Ya entrada la década de los ochenta, “Rockdrigo”, junto a artistas como Jaime López, Roberto González, Alain Derbez y Rafael Catana, fue promotor del Colectivo Rupestre, un núcleo de artistas que tuvo una gran importancia para el desarrollo del rock mexicano.

Hacia 1984 se presentó en diversos foros patrocinado por el CREA y editó un casete de manera independiente, “Hurbanistorias”, que a la postre sería el único material que él supervisara.

En septiembre de 1985, “Rockdrigo” entabló una negociación con el productor José Xavier "Pepe" Návar, de la compañía discográfica WEA, con la finalidad de realizar un disco profesional, proyecto que nunca se llevó a cabo.


De ahí que las grabaciones que podemos escuchar de este cantante adolecen de mala calidad acústica.

La vida de “Rockdrigo” y su última pareja, Françoise Bardinet, llegó a su fin con el terremoto de 1985, el cual sacudió trágicamente la ciudad de México; horas después de su última presentación, en ocasión del primer aniversario del periódico "La Jornada".

Su departamento estaba ubicado en un edificio que derrumbó, en el número 8 de la calle Bruselas, en la colonia Juárez.

“Rockdrigo” era un artista en ciernes, con una visión clara de la compleja realidad de México, quien se fue muy pronto, mas, nos dejó un legado irrepetible.

En el metro Balderas hay una estatua con la cual le rendimos homenaje.


[Te sugiero ajustes el volumen y el ecualizador para escuchar mejor los vídeos.]




https://youtu.be/GBNQOnDm0To





jueves, 28 de enero de 2016




Frank Zappa


Frank Vincent Zappa (21 de diciembre de 1940 - 4 de diciembre de 1993) fue un compositor, guitarrista, cantante, productor discográfico y director de cine estadounidense. Con una carrera de más de treinta años, Zappa compuso rock, jazz, blues, electrónica, música artística y música concreta, entre otros. También trabajó como director de cine y de videoclips, y diseñó portadas de álbumes. Además, se encargó de la producción de los más de sesenta álbumes que grabó con The Mothers of Invention y en solitario.


En su adolescencia adquirió gusto por compositores de avant-garde basada en la percusión como Edgard Varèse, y la música rhythm and blues de los años 50. Era un compositor y músico autodidacta, y por su diversidad de gustos musicales llegó a crear música a veces imposible de clasificar.

Su álbum debut de 1966 con la banda The Mothers of Invention, Freak Out!, combinaba canciones de rock convencionales con improvisaciones imposibles y sonidos generados en el estudio de grabación. Sus álbumes posteriores eran una mezcla de música experimental y ecléctica, independientemente de que fueran de rock, jazz o música artística. Escribía las letras de todos sus temas, frecuentemente humorísticas. Fue crítico con lo políticamente correcto y con la religión y fue un gran defensor de la libertad de expresión y de la abolición de la censura.


Zappa fue un artista muy prolífico y recibió grandes críticas positivas. Muchos de sus álbumes son considerados esenciales en la historia del rock, y es reconocido como uno de los guitarristas y compositores más originales de su tiempo, siendo hoy en día una referencia para un gran número de artistas. Tuvo algo de éxito comercial, sobre todo en Europa, por lo que pudo ser un artista independiente la gran mayoría del tiempo que duró su carrera. Fue incluido de forma póstuma en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1995 y recibió un premio Grammy a toda una carrera en 1997.

Con Wilson como productor, The Mothers of Invention y una orquesta de estudio grabaron el doble álbum Freak Out! en 1966.  Las letras eran inconformistas, antiautoritarias, y con un marcado estilo dadaísta, pero dejando sitio para algunas letras de amor.


La mayoría de las composiciones eran de Zappa, lo que se convertiría en la norma durante el resto de su carrera artística. Tenía el control absoluto sobre los arreglos y las decisiones musicales e hizo una gran parte de la producción, mientras que Wilson aportaba su influencia y conexiones dentro de la industria discográfica para conseguir la financiación necesaria.

Después de disolverse The Mothers of Invention, Zappa editó el álbum en solitario “Hot Rats” en 1969.


Durante 1971 y 1972, Zappa editó dos álbumes fuertemente orientados al jazz, Waka/Jawaka y The Grand Wazoo, que fueron grabados durante su descanso de los escenarios, usando un gran número de músicos de sesión distintos.

Zappa comenzó a ir de gira en 1972, apoyado por una “big band” de veinte músicos llamada The Grand Wazoo.


Zappa en New York incluía una canción sobre el criminal sexual Michael H. Kenyon, "The Illinois Enema Bandit". Como muchas de las canciones del álbum, contenía numerosas referencias de tipo sexual, llevando a muchos críticos a oponerse y sentirse ofendidos por el contenido. Zappa sorteaba las críticas diciendo que era como un periodista informando de la vida tal y como él la veía. Anticipándose a su posterior lucha contra la censura, dijo:

“¿Qué se puede esperar de una sociedad que es tan primitiva que se agarra a la creencia que ciertas palabras del lenguaje son tan poderosas que te pueden corromper nada más oírlas?”

Frank Zappa fue un irruptor, un rebelde, un experimentador e innovador, desmesurado.

Se convirtió en un icono de la cultura estadounidense, su música es difícil de escuchar, sin duda, pero tiene composiciones muy interesantes y de muy buena calidad.





martes, 26 de enero de 2016





Baroness


Una banda de heavy metal, que abarca la ferocidad y nítida técnica del nuevo milenio de metal, pero con acentos melódicos y trabajo de guitarra inteligente que sugieren la influencia de bandas de rock indie y post-punk.


Los cuatro miembros de la Baroness - John Baizley en guitarra y voz, Brian Blickle en la guitarra, Welch Summer en el bajo, y Allen Blickle en la batería - son todos originarios de Lexington, Virginia, pero se reubicaron en Savannah, Georgia , cuando formaron la banda a mediados de 2003.

Baroness hizo su debut discográfico en 2005 con “First”, un EP de tres canciones lanzado a través de la etiqueta indie basada en Savannah: hiperrealistas Records. Un segundo EP de Baroness, simplemente llamado “Second”, apareció en las tiendas a finales del mismo año.


En 2007,  Baroness firmó con la etiqueta de metal independiente muy respetado “Relapse Records”, y en el otoño de 2007 se publicó su primer disco de larga duración, “The Red Album”, seguido por una extensa gira. El guitarrista Pete Adams se unió a la banda en 2008 en sustitución de Brian Blickle. En el otoño de 2009, el grupo lanzó su segundo trabajo, “The Blue Album”.

Baroness pasó el siguiente año de gira, abriendo para bandas como Metallica, Mastodon, y Deftones, antes de regresar al estudio para comenzar a trabajar en su tercer álbum, “Yellow and Green”, que llegaría en 2012.

Mientras estaban de gira en Inglaterra, los miembros de Baroness se involucraron en un terrible accidente, su autobús se fue por la borda de un viaducto cayendo diez metros. Aunque muchos de los miembros de la banda y su tripulación resultaron heridos, no hubo víctimas mortales.


Después de recuperarse de sus lesiones, Baroness inició la programación de conciertos en 2013.  El bajista y el baterista Nick Jost  y Sebastián Thomson sustituyeron a Blickle y Maggioni  e hicieron su debut en vivo en una gira donde Baroness ya era cabeza de cartel. El álbum en vivo “Live at Maida Vale” llegaría en el verano de 2013, y sería el último lanzamiento de la banda para presentar su línea de pre-accidente.

Después de un período de recuperación y estímulo por parte de James Hetfield de Metallica (que había sobrevivido también a un accidente de autobús en el que murió el bajista Cliff Burton), Baroness volvió a entrar en el estudio con el productor Dave Fridmann (Flaming Lips, Sleater Kinney, entre otros) y grabó diez nuevas canciones que hablan de la crisis, sus consecuencias, y la determinación de la banda para continuar. El álbum “Making purple“, fue publicado en el otoño de 2015.


El heavy metal sigue siendo tendencia, comparte escenario global con indi rock y las nuevas expresiones electrónicas, en este contexto Baroness ocupa un lugar preponderante.











sábado, 23 de enero de 2016





VNV Nation


Es una agrupación de música electrónica originaria de Londres, ahora establecida en Hamburgo, que combina elementos de Electronic Body Music (EBM), Música Industrial y Synthpop, para formar lo que ellos llaman Futurepop. Los miembros son Ronan Harris y Mark Jackson.

VNV Nation es la abreviación de Victory Not Vengeance (literalmente, Victoria No Venganza), un lema que hace alusión a la idea de que uno debe buscar el triunfo y no refugiarse en los lamentos. Temática que es tratada a lo largo de la discografía del grupo y que caracteriza su sonido.


VNV Nation comenzó como un proyecto solista de Ronan Harris a principios de 1990. Ese mismo año, la banda lanzó su primer sencillo en un 12" llamado Body Pulse, cuyas copias son muy escasas en la actualidad. En el mes de noviembre de ese mismo año llegó su segundo sencillo bajo el nombre Strength of Youth y terminar el año, VNV Nation viajó a Canadá para participar en la gira de Nitzer Ebb.

Luego de volver a Europa, Harris trabajó editando material para diversas compilaciones musicales hasta que en 1995 firmó el primer contrato de la banda con el sello discográfico Discordia, donde editaron su primer álbum como banda llamado Advance and Follow, que fue lanzado ese mismo año. El disco era una mezcla de melodías bailables de sintetizadores y beats electrónicos agresivos, firme en la tradición del EBM de esos años, complementado con elementos de música orquestal. Su siguiente lanzamiento, Praise the Fallen de 1998, continuó en esta senda y comenzaron a experimentar un nivel de éxito comercial mayor.


El grupo empezó a despegar de una forma considerable tras sacar su álbum Empires en 1999, consiguiendo obtener un éxito comercial masivo (liderando los rankings de German DAC1 por siete semanas) y casi sin ayuda originaron un subgénero de artistas similares. Aunque el disco mantenía el mismo espíritu de los dos discos anteriores, Empires expandió las líneas de sintetizadores ostentosas e incorporó canciones más estructuradas con estrofas y coros pegadizos. El lado duro y agresivo de álbumes como Praise the Fallen estaba completamente ausente, y la música en su conjunto fue mucho más compleja con atmósferas y arpegios multicapas. Este álbum fue compuesto usando sólo un sintetizador, el Access Virus, y dos samplers de baja calidad.

Su álbum de 2002, Futureperfect, representó un alejamiento del EBM al Synth pop, incluso incorporando elementos del trance. Más aún, algunas partes instrumentales neoclásicas fueron añadidas en el álbum. Este cambio hizo aumentar su popularidad todavía más, pero a su vez, hizo que algunos de sus fans amantes el sonido oscuro y agresivo de la primera etapa de la banda, se distanciaran del grupo paulatinamente. Este hecho debilitó la reputación del grupo en la comunidad musical underground.

En 2005 sacaron el álbum Matter + Form, expandiendo el sonido establecido con Futureperfect y, a su vez, añadieron un sonido más duro y mecánico en algunas canciones. Un buen ejemplar de este sonido fue el single Chrome. También cabe notar la ausencia de efectos aplicados a la voz, un distanciamiento de discos anteriores, que le permitió al solista Ronan Harris poseer más espacio en la mezcla final. Por supuesto, también hubo varias canciones con una composición más suave y pensativa. La variedad de instrumentos utilizada en este álbum fue mucho más surtida que en los anteriores trabajos.


Posteriormente el grupo se puso a trabajar en un nuevo disco basado en las sesiones y giras de Matter + Form, llamado Reformation y meses más tarde, a principios de abril de 2007, lanzaron el álbum Judgement, dando un paso hacia un sonido más contundente, consiguiendo cosechar buenos resultados en Europa.

En 2009 lanzaron su undécimo material discográfico en donde destaca de manera singular el tema "Sentinel". Dos años después lanzan "Automatic" en donde incluyen dos temas instrumentales.

VNV Nation cuenta con un sonido y estilo propio e inconfundible.

Para que no anden oyendo a Pet Shop Boys y esas memelas, mejor sigan a VNV Nation.









jueves, 21 de enero de 2016




Uncle Acid and the Deadbeats


O simplemente Uncle Acid, es una banda británica de rock, formada en Cambridge por Kevin Starr, con Itamar Rubinger, Yotam Rubinger y Vaughn Stokes.

La música de la banda está fuertemente influenciada por la década de 1960, cuando estaban emergiendo el heavy metal. “Allmusic” elogió la capacidad de la banda para recrear un aspecto particular de esta época, describiendo a la banda como "celebrando un paisaje arruinado”, "une todas las fuerzas musicales apocalípticas que convergieron en esa época".


La banda ha sido descrita metafóricamente como "lo que pudo haber sido la banda original de Alice Cooper, con pinceladas de Black Sabbath y los Stooges".

Con el fin de reproducir el sonido de los 1960, la banda utiliza instrumentos y equipos de grabación de esa época

Blood Lust fue el álbum con el que la banda abrió brecha. “La revista “The Quietus” describe este trabajo como "una colección gloriosa e idiosincrásica que obtuvo rápidamente un estatus de culto rabioso entre la fraternidad “doom” (súper pesada) en todo el mundo" y “Decibel Magazine” se refiere a este álbum como "un maravilloso, deleite malévolo". “Allmusic” describió Blood Lust como "una mezcla de terrible depresión, garage, rock psicodélico y el ascenso nihilista del punk rock entre las manifestaciones del heavy metal".



El álbum obtuvo una aclamación considerable.

Con el lanzamiento del álbum, “Control of Mind”, se perciben influencias del pop de los años 70. Es un álbum conceptual. Según “Metacritic”, el álbum ha recibido "la aclamación universal", con una puntuación de 81 sobre la base de 7 críticos. Justin Norton, escribiendo para “Decibel Magazine”, galardonó el álbum con una puntuación de 8 sobre 10 y lo describió como "una unión perfecta de riffs Sabbath, fuzz y Herschell Gordon Lewis".


En 2015 publicaron “The night Creeper”, la banda no pierde su aceleración triunfal, demuestra su potencia heavy metal con tintes doom y algunos pasajes evocativos de grupos como King Crimson, Focus, Magnum y Gentle Giant.


A mí, Gilberto Medina Casillas, me gusta mucho lo que hacen estos músicos, en verdad que sí logran la evocación que pretenden, claramente “vintage”.




sábado, 16 de enero de 2016





Therion


Es una agrupación sueca de Metal sinfónico creada por su principal compositor Christofer Johnsson en el año 1987. 

La palabra theríon (θηρίον), extraída del Libro de la Revelación, significa «bestia» en griego. Sin embargo, los miembros de la banda han declarado que el nombre es un tributo al álbum To Mega Therion, de Celtic Frost.


Empezaron componiendo e interpretando música Death Metal, pero luego dieron en combinar ese sonido con toques orquestales y sinfónicos, empleando coros pesados y reminiscencias de música clásica. Más tarde aquellos toques se convirtieron en parte fundamental de la melodía de las canciones, un cambio que no fue bien recibido por sus fans, acostumbrados al sonido Death Metal que el grupo interpretaba hasta entonces, pero que también provocó su éxito entre otros públicos. 

Se trata de una de las primeras bandas en lograr un éxito comercial notable en la mezcla de heavy metal con sonidos orquestales: Vovin, su álbum más vendido, ha superado las 150,000 copias sólo en Europa. Este éxito le ha reportado una de las mayores cotas de popularidad e influencia en los medios entre las bandas de su género, hasta el punto de ser citada como «la banda más poderosa en el género metal sinfónico».


La letra y música de Therion tratan sobre diferentes temas: mitológicos, mágicos, el ocultismo, o las tradiciones y escritos mágicos de tiempos antiguos. La mayoría de las letras son escritas por Thomas Karlsson, miembro «no oficial» de la banda, quien también es el fundador de la orden mágica «Dragon Rougue», de la que Johnsson es miembro. Desde sus comienzos la banda ha vivido muchos cambios en su formación por problemas de alcoholismo de ciertos miembros anteriores, y por la creación de otros proyectos paralelos.

En 1996 Jonas Mellberg fue adherido a la nueva alineación y Therion empezó a grabar su próximo álbum experimental, titulado Theli. Este álbum contó con la gran voz de dos coros y pocas apariciones de las voces de Johnsson y Wawrzeniuk. Dan Swanö quien fue el productor, también contribuyó en las voces. La banda utilizó teclados a gran medida y también contribuyó la orquesta "Barmbek Orquesta Sinfónica". Theli es considerado uno de los álbumes más aclamados de Therion.


El álbum con el nombre de Vovin, fue grabado usando músicos profesionales y Tommy Eriksson ayudándole a la grabación de guitarras adicionales. En este figuraba por primera vez una verdadera orquesta de cuerdas con un número considerable de voces. La cantante austríaca Martina Hornbacher Astner y Sarah Jezebel Deva fueron escogidas para liderar las voces soprano.


Y mientras realizaban el tour Johnsson ya había hecho bastante material para su próximo álbum llamado Deggial cuyo sonido está más orientado a lo sinfónico, empleando coros orquestales más complejos, y esta vez usando una orquesta completa comparada a la simple usada en los otros álbumes. Este logró vender más copias que Theli pero nunca llegó a vender tantas copias como su álbum anterior Vovin.

Junto con Nightwish, banda finlandesa y, Haggard, Therion inauguró el sonido “metal sinfónico”, emergiendo del “death” metal original.

Estas alineaciones, fueron hacia una fusión musical en la cual, primero con complejos  teclados y luego con coros y orquesta, lograron mezclas muy afortunadas.

A Therion le siguieron en el camino Tristania, Sirenia, Dark Moor, Avantasia, Rhapsody of Fire, Opera Magna, Luca Turilli,  Stratovarius, Sonata Arctica y Kamelot, entre otros.










domingo, 10 de enero de 2016





The Who


Es una banda británica de rock considerada un icono de la música del siglo XX, formada en 1962 con el nombre de The Detours que cambió a aquel tras la incorporación del baterista Keith Moon. De esa manera, con Roger Daltrey (voz), Pete Townshend (guitarra, teclados y voz), John Entwistle (bajo y voz) y Keith Moon (batería y voz) potenció su carrera escalando a los primeros puestos del ambiente del rock inglés. Fue conocida por sus energéticas presentaciones en vivo las cuales incluían la destrucción de sus instrumentos.


The Who ha vendido alrededor de 100 millones de discos, posicionaron 27 sencillos en el Top 40 en el Reino Unido y Estados Unidos, así como 17 álbumes en el Top 10, obteniendo 18 discos de oro, 12 de platino y 5 de multi-platino sólo en los Estados Unidos.

The Who alcanzó la fama en el Reino Unido con una serie de sencillos que se ubicaron en el Top 10, impulsados en parte por emisoras de radio piratas como Radio Caroline, iniciando su éxito en enero de 1965 con «I Can't Explain». Los álbumes My Generation (1965), A Quick One (1966) y The Who Sell Out (1967) lo siguieron, con los dos primeros alcanzando el Top 5 en el Reino Unido. Su primer hit en el Top 40 fue «Happy Jack» y, posteriormente, ingresó en el Top 10 ese mismo año con «I Can See For Miles». Su fama creció con actuaciones memorables en los festivales de Monterey, Woodstock y en Isle of Wight. En 1969 lanzaron Tommy, el primero de una serie de álbumes Top 10 en los Estados Unidos, seguidos por Live at Leeds (1970), Who's Next (1971), Quadrophenia (1973), The Who By Numbers (1975), Who Are You (1978) y The Kids Are Alright (1979).


 Moon murió en 1978 a la edad de 32 años. Después de su muerte, la banda lanzó dos álbumes de estudio, Face Dances (1981) que alcanzó el Top 5 en las listas de Estados Unidos y el Reino Unido, y posteriormente It's Hard (1982), que alcanzó el Top 10 en el ránking musical estadounidense, trabajos que realizaron con el baterista Kenney Jones, antes de que la banda se separase en 1983.

The Who volvió a reagruparse para participar en el Live Aid, en el vigésimoquinto aniversario de la banda y en la gira de Quadrophenia en 1996 y 1997. En 2000, los tres miembros originales supervivientes trabajaron en la grabación de un nuevo material, pero sus planes se estancaron temporalmente debido a la muerte de Entwistle en 2002, a los 57 años de edad. Townshend y Daltrey continuaron con el trabajo de la banda, lanzando en 2006 Endless Wire, que alcanzó el Top 10 en Estados Unidos y el Reino Unido.


 The Who fue incluido en el Salón de la Fama del Rock en 1990, en su primer año de elegibilidad, describiéndolos como «Primeros contendores, en la mente de muchos, por el título de la banda más grande en el mundo del rock». La revista Time expresó en 1979 que «Ningún otro grupo ha llevado el rock tan lejos». 

Rolling Stone escribió: «Junto con The Beatles y The Rolling Stones, The Who completa la santísima trinidad del rock británico». Recibieron el Lifetime Achievement Award de la British Phonographic Industry en 1988 y de la Grammy Foundation en 2001, por las significativas y excepcionales contribuciones creativas en el campo de la grabación. En 2008 Daltrey y Townshend fueron honrados con el Premio Kennedy en su trigésima primera edición. El mismo año, VH1 Rock Honors rindió homenaje a The Who, donde Jack Black de Tenacious D los llamó «La banda más grande de todos los tiempos». 

Se suele referir a la banda como el eslabón entre el rock psicodélico y el punk rock, debido a las claras influencias que ejercerían sobre grupos posteriores como Sex Pistols o Ramones, tanto musical como líricamente, mostrando tendencias revolucionarias y rebeldes. También se considera fundamental en la creación y desarrollo del hard rock y el heavy metal, manteniendo fuertes conexiones con bandas como Led Zeppelin.

Quadrophenia es el sexto álbum de estudio del grupo británico The Who, publicado por la compañía discográfica Track Records en octubre de 1973. El álbum es la segunda ópera rock de Pete Townshend compuesta para el grupo y relata una serie de sucesos sociales, musicales y psicológicos que afectan a un joven “mod” británico que tienen lugar entre Londres y Brighton.


El grupo comenzó a trabajar en el álbum en 1972, experimentó retrasos debido a la ocupación de John Entwistle y de Roger Daltrey en respectivos trabajos en solitario y a las obras sin finalizar de un nuevo estudio en Battersea, lo que obligó al grupo a usar un estudio portátil propiedad de Ronnie Lane. El álbum se caracterizó por el uso de numerosas pistas de sintetizadores y efectos de sonido grabados por Townshend, en la línea de trabajos anteriores como «Baba O'Riley» y «Won't Get Fooled Again», así como por la inclusión de instrumentos de viento arreglados por Entwistle. 

Quadrophenia obtuvo buenas críticas de la prensa musical británica y estadounidense. A nivel comercial, alcanzó el segundo puesto en las listas de discos más vendidos tanto de los Estados Unidos como de Gran Bretaña, superado solo por el álbum de Elton John “Goodbye Yellow Brick Road”.

Quadrophenia es una obra que sienta un antes y un después en la historia de la música.








sábado, 9 de enero de 2016





All Them Witches


Es una banda de Nashville, Tennessee, USA. Formada por Robby Staebler, batería, Ben McLeod, guitarra, Charles Michael Parks, Jr – Bajo y voz y Allan Van Cleave, teclados.

De vez en cuando, se descubre una banda no fácilmente clasificable, que toma tiempo para descifrar, pero premia la paciencia de hacerlo.


De Nashville, Tennessee, All Them witches son una de esas bandas que ha forjado un sonido que es un híbrido de rock clásico, la psicodelia, el metal meridional, rock espacial, y algo intangible que les distingue.

All Them Witches existe en dos planos: cósmico y terrenal, se dibujan claramente sus raíces rurales, al mismo tiempo  se abre su conciencia musical para tomar vuelo en el plano astral.

La banda abiertamente canaliza el espíritu del Gótico Americano, sus tempos, como los lodos simbólicos de pantanos oscuros que se esconden en los bosques oscuros, esperando, eterna y pacientemente. Allí, bajo las ramas retorcidas y rotas que acosan caminos escondidos, se descubre la grandeza de este grupo.


All them Witches han creado el equivalente sonoro de corazón de las tinieblas, la naturaleza oculta de los caminos inexplorados nos llevan directamente a una visión de nosotros mismos que preferimos dejar sin acuse de recibo.

El monstruo que nos mira está mirando desde nuestros propios ojos.

All Them Witches mueven la oscuridad psíquica mejor que el Blues, el Rock, el Psych, y el Gótico, en su desafío, tanto en la forma como en la técnica, sus secretos yacen latentes, solamente se revelan a través de múltiples escuchas.

All Them Witches han canalizado las fuerzas invisibles de la naturaleza en un hechizo de intenciones de gran alcance, sus conjuros con efectos ocultos alteran la mente. Su complejidad oculta la sencillez de sus inspiraciones.


Ese ha sido siempre el genio de All them Witches. Son una banda que no tienen el tiempo ni interés en su necesidad para la clasificación y la comprensión.

Están demasiado ocupados explorando las profundidades de su psique y su talento para ocuparse de esas actividades triviales.

Ellos están solos, los magos de altas cumbres, tejiendo su magia cautivante para cualquiera que tenga el honor de presenciarla.

Mientras, sus encantamientos pueden provocar el miedo, pero, el resultado final es el crecimiento de la mente, que es la meta de cualquier buen hechizo.