Igorrr

 

Igorrr es el seudónimo del multiinstrumentista y productor electrónico francés Gautier Serre del proyecto de grindcore electrónico “Whourkr”.

Su trabajo en solitario, que incluye trabajos caóticos como “Nostril” (2010), “Savage Sinusoid” (2017) y “Spirituality and Distortion” (2020), combina ritmos frenéticos con voces operísticas, riffs de metal, violines gitanos y una multitud de otros sonidos, lo que da como resultado una experiencia intensa, perturbadora e innegablemente distinta.

La combinación única de meticulosa programación de batería e instrumentación acústica en sus demos autoeditados “Poisson Soluble” (2006) y “Moisissure” (2008) atrajo la atención del sello experimental con sede en Berlín Ad Noiseam, quien publicó su debut “Nostril” en 2010. Su EP complementario, “Barrococore”, también fue lanzado ese año en Aentitainment. La refinada complejidad de estos lanzamientos le valió una respuesta crítica positiva de las publicaciones francesas Les Inrockuptibles y Trax, así como tiempo de emisión en la radio comercial. Ad Noiseam reeditó sus demos como un doble CD en 2011. En 2012, amplió aún más su uso de instrumentos en vivo en su segundo larga duración, “Hallelujah”, una colección de piezas destinadas a señalar el apocalipsis y que presenta una gran variedad de colaboradores que van desde la cantante barroca Laure Le Prunenec hasta el guitarrista de Mayhem Teloch. En 2013, se lanzó un 7" de remixes con el junglista ragga Bong-Ra en PRSPCT RVLT. 

Le siguió un año más tarde el EP “Maigre en Ad Noiseam”, una colaboración con Ruby My Dear. 

Después de unos años de silencio, Igorrr firmó al legendario sello de metal Metal Blade, que lanzó su larga duración, “Savage Sinusoid”, en 2017. El álbum carecía por completo de samples y contaba con varios músicos invitados, incluidos miembros de Cattle Decapitation y Secret Chiefs. 

El audaz “Spirituality and Distortion” de 2020 vio Igorrr continúa haciendo riffs de su idiosincrásico estilo de metal experimental. 

Serre toca el piano, la batería y la guitarra y utiliza principalmente Steinberg Cubase para grabar. Llamó a su banda en honor a un jerbo mascota llamado Igorr que tuvo cuando era niño, agregando la "r" adicional para "hacerlo más difícil de pronunciar".  Serre afirma tener sinestesia, en su caso percibe la música como colores. En una entrevista de 2011 habló del origen de su proyecto en solitario:

"Fue por el año 2004-2005 cuando tenía varios grupos. Cada vez que tenía una idea o una composición, tenía que consultar con otras personas para saber si era buena, no buena, etc., y me molestaba un poco. Quería tener algo para mí donde fuera la única persona que pudiera tomar ese tipo de decisión. Estaba buscando un estilo de música específico, pero no pude encontrar lo que quería porque no existía. El objetivo era que yo Quería tener un CD, ponerlo en el reproductor y escuchar exactamente lo que quería escuchar”.

Igorrr autoeditó un álbum de demostración, “Poisson Soluble” (2006) y “Moisissure” (2008, Acroplane Recordings), que llamó la atención del sello Ad Noiseam. Su álbum debut Nostril fue lanzado en 2010, junto con un EP complementario, Baroquecore. Ambas demostraciones fueron reeditadas en 2011. 

El segundo álbum de Igorrr, Hallelujah, fue lanzado en 2012. Contó con la colaboración del guitarrista de Mayhem Teloch y la cantante clásica Laure Le Prunenec. El pollo mascota de Igorrr, Patrick, ganó notoriedad por "tocar" el piano (Serre ponía alimento para pollos en las teclas correspondientes que el pollo picoteaba).

Igorrr realizó una gira por Norteamérica por primera vez en 2018. En junio de 2018, Igorrr apoyó a Ministry en su gira por Norteamérica de 2018. El espectáculo en vivo cuenta con el baterista Sylvain Bouvier y los vocalistas Laure Le Prunenec y Laurent Lunoir, junto con Serre en la voz y la programación. Igorrr también ha actuado en varios otros festivales, incluido el festival Heavy Montréal, Dour Festival (tres veces, en 2014, 2015 y 2017),[30] Roadburn Festival, Europavox, Montreux Jazz Festival, Metaldays, Durbuy Rock Festival, Motocultor Festival, Download Festival, Brutal Assault, Hellfest Open Air, FortaRock, y Copenhell, entre otros. Igorrr también proyectó un cortometraje en el Festival de Cine de Orlando. También actuaron en un festival de rock organizado por la compañía de ópera Opéra national du Rhin en 2017.

El sonido de Igorrr combina breakbeats, riffs de heavy metal, cambios de tempo extremos y canto operístico junto con gritos/gruñidos, entre otros elementos, para crear lo que AllMusic describe como "una experiencia intensa, inquietante e innegablemente distinta". Las fuentes musicales del proyecto incluyen black metal, death metal, metal industrial, metal progresivo, música clásica (especialmente música barroca), música balcánica, breakcore, y trip hop. Ha provocado etiquetas como "Baroquecore" y ha sido descrito como dadaísta.

En una entrevista de 2017, Serre dijo sobre el origen de Igorrr: "Comenzó cuando era un adolescente y buscaba una banda o un artista que destruyera todos los límites de la música, una banda capaz de aportar lo que todas las aburridas bandas tradicionales no podían aportar. "Serre enumeró a los compositores clásicos Frédéric Chopin, Johann Sebastian Bach, Jean-Philippe Rameau y Domenico Scarlatti, junto con artistas contemporáneos como Taraf de Haïdouks, Cannibal Corpse, Meshuggah, Aphex Twin, Mr. Bungle (así como otros proyectos de Mike Patton), y Portishead como influencias en los primeros días.

Igorrr compuso la mitad de la banda sonora de la película musical “Jeannette: La infancia de Juana de Arco dirigida por Bruno Dumont. La película se proyectó en el Festival de Cine de Cannes de 2017. La banda sonora fue nominada a Mejor Música en la 23ª edición de los Premios Lumières. Según Serre, sus composiciones iniciales tenían una "atmósfera medieval", antes de que el director le dijera "simplemente hacer Igorrr". La partitura se describe como "electro-pop con una dosis de heavy metal" y tecno-pop.

https://youtu.be/lRKeQC-JD60?si=Mc_1QB968pLoq53g

https://youtu.be/YCqG9B8j-cI?si=99_BvcdCGEjlAtwV

https://youtu.be/KgVEZkY0md8?si=BBy-fVVctFM4X4lM

https://youtu.be/1U-1h0_ifOc?si=mGvBf83AFpFN02hG

https://youtu.be/bXPXvmXT3lM?si=L_Vhy2W2ZKFTaWTK

https://youtu.be/wPoK3Uld7Zw?si=BWW_qQ5xEd-liKFp

https://youtu.be/-kzHPUdWdAM?si=02PTif1dEQPxY0Gs

 

 

 

Jethro Tull

 

Los gigantes ingleses del rock progresivo Jethro Tull son un fenómeno único en la historia de la música popular. Su mezcla de rock pesado, melodías folclóricas guiadas por flauta, licks de blues, letras surrealistas e increíblemente densas y profundidad general desafía el análisis fácil, sin embargo, en su apogeo de la década de 1970, obtuvieron un nivel masivo de éxito comercial, logrando una cadena de oro y platino. discos y asegurando su lugar dentro del canon del rock clásico con lanzamientos como Aqualung (1971), Thick as a Brick (1972) y A Passion Play (1973). Incluso cuando los críticos se enfriaron con ellos, Tull siguió siendo popular en fases posteriores con sus discos de folk-rock de finales de los 70, la experimentación electrónica de principios de los 80 y, finalmente, un regreso al hard rock ganador del premio Grammy con Crest of a de 1987.

Las raíces de Jethro Tull se encuentran en el boom del blues británico de finales de los 60. La familia de Anderson se mudó de Edimburgo a Blackpool en 1960, donde conoció a los futuros compañeros de banda, el bajista Jeffrey Hammond-Hammond (más tarde, simplemente Hammond) y el teclista John Evans.

En diciembre de 1967, los cuatro acordaron formar un grupo y comenzaron a tocar dos noches a la semana, probando diferentes nombres, incluidos Navy Blue y Bag of Blues. Uno de los nombres, Jethro Tull, se tomó prestado de un agricultor/inventor del siglo XVIII y demostró ser lo suficientemente popular como para quedarse. A principios de 1968, grabaron un sencillo pop-folk llamado "Sunshine Day", que MGM Records lanzó con el nombre mal impreso Jethro Toe. Si bien el sencillo no llegó a ninguna parte, la banda logró conseguir una residencia en el Marquee Club de Londres, donde comenzaron a llamar la atención. En este punto, Anderson había comenzado a tocar la flauta, un elemento único, aunque divisivo, entre los puristas del blues. Del mismo modo, sus travesuras en el escenario (saltar con un abrigo andrajoso y pararse sobre una pierna mientras toca la flauta) y su uso de fuentes folclóricas, así como el blues y el jazz, distinguen a Tull de sus contemporáneos. En un mes, la banda había firmado con Island Records, que lanzó su álbum debut, “This Was”, en noviembre.

En mayo de 1969, luego de giras con Jimi Hendrix y Led Zeppelin, Tull obtuvo el tercer éxito en el Reino Unido con "Living in the Past". Lanzado en julio de ese año, su segundo álbum, “Stand Up”, encabezó las listas de éxitos del Reino Unido y llegó al número 20 en los EE. UU., lanzando efectivamente su carrera principal. Con todo su material (excepto "Bourée", que fue compuesto por Johann Sebastian Bach) escrito por Anderson, marcó un alejamiento de los orígenes del blues de Tull, adoptando un enfoque más ecléctico que también incluía orquestaciones del futuro miembro David Palmer. 

Mientras tanto, "Sweet Dream", publicado en noviembre, subió al número siete en Inglaterra y fue el primer lanzamiento del grupo en Chrysalis, el nuevo sello formado por los directores de la banda Chris Wright y Terry Ellis. Su siguiente sencillo, "The Witch's Promise", alcanzó el número cuatro en Inglaterra en enero de 1970. Lanzado unos meses después, el tercer álbum de Tull, “Benefit”, marcó su última mirada retrospectiva al blues y fue el primero en presentar a John Evan, el músico de Anderson. viejo amigo y ex compañero de banda, en piano y órgano. “Benefit” alcanzó el puesto número tres en Inglaterra y ascendió al número 11 en los EE. UU. Canciones como "Teacher" y "Sossity; You're a Woman", formaron una parte clave del repertorio escénico de Tull a medida que se convertían en un importante sorteo de gira en ambos lados del Atlántico.

A principios de 1972, comenzaron a trabajar en lo que resultaría ser, para muchos fanáticos, su obra magna, “Aqualung”. Fue con este álbum que el grupo encontró la voz lírica que había estado buscando. Sus temas destacados incluyeron el corte del título de conducción dura y "Locomotive Breath" junto con el folk "Mother Goose". Las opiniones del álbum sobre la religión organizada y los temas de alienación tocaron la fibra sensible de los oyentes en el Reino Unido y en los EE. UU., donde se convirtió en el primero en lograr la certificación de oro.

Irritado por los críticos que insistieron en llamar a “Aqualung” un álbum conceptual (no lo fue), Anderson respondió con “Thick as a Brick”, una parodia del álbum conceptual que consiste en una sola pista de 43 minutos. Cargado con imágenes surrealistas y comentarios sociales, encabezó las listas en los EE. UU., Canadá y Australia, mientras alcanzó el número cinco en el Reino Unido. 

Con la mayor fama de Tull, grabaron su siguiente LP, A “Passion Play” de 1973, en Inglaterra. Al igual que Thick as a Brick, fue concebido como un álbum conceptual de una sola pista impregnado de fantasía e imágenes religiosas. A pesar de la reacción violenta de la crítica por sus oscuras referencias líricas y su excesiva duración, el álbum volvió a alcanzar el número uno en Estados Unidos (lo que produjo un sencillo número ocho editado a partir de la pieza extendida) y el número 13 en Inglaterra. Cuando comenzó la gira estadounidense de Jethro Tull con entradas agotadas, las críticas negativas aumentaron y los críticos criticaron a la banda por sus presentaciones en el escenario largas (dos horas y media) y sobreexcitadas, hasta el punto de que Anderson, frustrado, pronto se alejó de la presione por completo. La falta de prensa positiva hizo poco para disuadir a los fanáticos de apoyar su séptimo álbum, “War Child”, que alcanzó el número dos en los EE. UU. y se convirtió en platino. Ese mismo año, Anderson produjo “Now We Are Six”, el sexto álbum del grupo de folk-rock del Reino Unido. La escena del folk-rock inglés demostraría ser una influencia en su propia escritura, especialmente en los últimos años de la década. El siguiente álbum de Tull, “Minstrel in the Gallery” de 1975, se inspiró en la juglaría isabelina, combinando rock y folk inglés de una manera ecléctica que se remontaba a “Aqualung”. En este punto, el éxito estadounidense de la banda aún superaba su popularidad en casa, aunque tenían una tendencia a la baja en ambas listas.

 

La formación de Jethro Tull había sido notablemente estable desde la salida de Clive Bunker posterior a Aqualung, permaneciendo constante en cuatro álbumes en tantos años. Sin embargo, en enero de 1976, Hammond dejó la banda para seguir una carrera en el arte. Su reemplazo, John Glascock, se unió a tiempo para la grabación de “Too Old to Rock 'n Roll, Too Young to Die” de 1976.

El siguiente álbum, “A”, se lanzó en septiembre de 1980, Tull realizó una gira en apoyo del álbum, que era más electrónico y estaba más impulsado por sintetizadores que todo lo que habían hecho anteriormente.

Volvieron a la popularidad en 1980 con el álbum "Catfish Rising”.

“The Broadsword and the Beast.” en 1982, tenía muchas canciones basadas en melodías populares, nuevamente se basó cada vez más en el uso de sintetizadores.

Con el lanzamiento en 1987 de su próximo álbum, “Crest of a Knave”, la suerte de la banda comenzó a cambiar. Se desempeñó sorprendentemente bien en las listas, alcanzando el número 19 en Inglaterra y el número 32 en Estados Unidos con el apoyo de una gira mundial.

Aprovechando su renacimiento, lanzaron “Rock Island” de estilo similar más tarde ese año, que alcanzó un saludable número 18 en Inglaterra y alcanzó un máximo de 56 en Estados Unidos, a pesar de una gira de seis semanas por Estados Unidos para promocionar el álbum “Catfish Rising”.

En 2002, se llevó a cabo una reunión única de la formación original de la banda de 1968 (Anderson, Abrahams, Cornick y Bunker) en un pub de Inglaterra y se filmó para el lanzamiento en DVD “Living with the Past”.

Les dejo una compilación de lujo:

https://youtube.com/playlist?list=PLZGLTxLP-zqGIhzj9iBKokub3a4ooAehI

Aunque Ian Anderson me parecía excesivo en el escenario esta banda es un referente indispensable en la evolución del rock progresivo.

Savoy Brown

Savoy Brown, es un grupo británico de blues formado en 1965, en Battersea, Sudoeste de Londres, Inglaterra. A finales de la década de los 60 con el movimiento del blues rock, Savoy Brown nunca obtuvo tanto éxito en sus orígenes como en los Estados Unidos donde aparecieron diversos álbumes con giras muy seguidas.

Fue Longeva la formación de blues-rock liderada por el guitarrista galés Kim Simmonds (nacido el 6 de diciembre de 1947), pieza angular del grupo en toda su larga historia. Los inicios del grupo británico se remontan al año 1966, cuando Simmonds, para intentar remedar a sus ídolos del blues y el R&B se unió al cantante Bruce Portius, el también guitarrista Martin Stone, al bajista Ray Chappell, al baterista Leo Manning y al teclista Bob Hall (quien reemplazó a Trevor Jeavons tras un breve período de este en el grupo) para formar Savoy Brown, conocidos en sus inicios como The Savoy Brown Blues Band. Lo de Savoy derivó de uno de sus sellos musicales favoritos de blues.

En Kilroy’s, un local fundado por Kim y su hermano Howard, representante del grupo, comenzaron a tocar y expandir sus seguidores. Entre ellos Mike Vernon, quien les produjo sus primeros sencillos en su sello Purdah, “I can’t quit you, baby” y “True blue”. Más tarde ya estaban tocando en míticos clubs como el Marquee o Flamingo y poco después grabando en la Decca su primer LP, “Shake down” (1967), compuesto básicamente de versiones, principalmente de Willie Dixon. El disco, con querencia al blues de Chicago, no lo escuchó casi nadie y sus diferentes miembros comenzaron a disgregarse. Por ejemplo, Martin Stone, que acabó en los Action.

Para el segundo LP sólo permanecieron los componentes originales de Kim Simmonds. A su lado el cantante y compositor Chris Youlden, el guitarrista Dave Peverett, el bajista Rivers Jobe y el baterista Roger Earl. “Getting to the point” (1968), editado en Deram con un simpático Kim en la portada, mostró ya la mayoría de los temas escritos por los miembros de la banda, en especial Youlden y Simmonds. Entre los sencillos se encontraron “Caminando solo” y “Prueba y prueba antes de comprar”.

En 1969 publicó el excelente “Train to nowhere”, tema que abre “Blue Matter” (1969), uno de sus discos clave, en el cual sonaba el bajo de Tone Stevens reemplazando a Rivers Jobe. El grupo ya comenzaba a pegar más fuerte en los Estados Unidos que en Inglaterra. “Estoy cansado” fue el sencillo adelanto de su nuevo álbum, “Un paso más allá” (1969). Tras este LP, el grupo dejó de colaborar con Mike Vernon y el siguiente trabajo, “Raw Sienna” (1970), ya fue producido por Kim Simmonds y Chris Youlden.

Savoy Brown recluta al cantante Dave Walker, quien había quedado en The Idle Race a Jeff Lynne cuando este dejó el grupo, al bajista Andy Sylvester, al baterista Dave Bidwell y al teclista Paul Raymond. Estos tres últimos habían acompañado a Christine McVie en Chicken Shack. La nueva formación editaría el notorio “Street corner talk” (1971). Al año siguiente apareció el director “Silver Train” (1972) y el LP en estudio “Lion’s share” (1972).

Tras este álbum Dave Walker se marchó a Fleetwood Mac y de nuevos cambios de miembros se produjeron, llegando al grupo el vocalista Jack Lynton para grabar el flojo “Jack The Toad” (1973). A partir de aquí, el grupo comenzó su declive y su constante cambio de componentes girando alrededor de Kim Simmonds.

"Boogie Brothers" (1974), "Wire Fire" (1975), "Skin'n'bone" (1976), "Savage Return" (1976), "Rock'n'roll warriors" (1981), "Make me sudor” (1988), “Reyes del boogie” (1989), “El blues me mantiene aguantando” (1999) y “Sueños extraños” (2003) son algunos de sus últimos trabajos discográficos.

Una institución del blues-rock inglés, Savoy Brown nunca logró tanto éxito en su tierra natal como lo hizo en Estados Unidos, donde promovieron álbumes que hicieron carrera como "Looking In y Hellbound Train" con giras sin parar. Dirigida por el guitarrista y único miembro constante Kim Simmonds, la banda estuvo a la vanguardia del movimiento blues-rock de las décadas de 1960 y 1970. Con Simmonds a la cabeza, Savoy Brown se mantuvo notablemente prolífico durante décadas, recorriendo el mundo y grabando y publicando material nuevo casi todos los años. En 2020, lanzaron “Ain't Done Yet”, su 40º largometraje.

https://youtu.be/S_enMFmJYns

https://youtu.be/ROuAzWFQNYU

https://youtu.be/HeCnHnQEQIg

https://youtu.be/zUP2Sh3tEOY

The Dream Syndicate

 

The Dream Syndicate es una banda estadounidense de Los Ángeles, California. Su música está asociada al rock alternativo y a la neopsicodelia,​ así como también al ecléctico movimiento musical Paisley Underground, surgido en la California de los años 80, junto a grupos como The Rain Parade, Green on Red, The Long Ryders, The Bangles o The Three O’Clock, ​y que en España se conoció como Nuevo Rock Americano.

Durante sus estudios en la Universidad de California en Davis, Steve Wynn y Kendra Smith coincidieron en la banda Suspects.4​ Al trasladarse a Los Ángeles formaron The Dream Syndicate con las incorporaciones de Karl Precoda a la guitarra y Dennis Duck a la batería, escogiendo ese nombre del grupo como homenaje al conjunto experimental neoyorkino de Tony Conrad y John Cale, ​ dentro del Theatre of Eternal Music de La Monte Young que, junto a The Velvet Underground, fue punto de partida del rock posmoderno.

A principios de 1982 realizaron su primer concierto en el Club Lingerie de Hollywood. Poco después publicaron un EP homónimo como primer trabajo de estudio, editado con el sello propio Down There Records.

 

Tras firmar con Slash Records, publicaron en octubre de 1982 el primer álbum The Days of Wine and Roses, que convirtió a la banda en todo un referente del rock alternativo.​ Del título de ese disco se especuló si estuvo inspirado en el poema “Vitae summa brevis”, del británico Ernest Dowson, o en la película con la misma denominación de Blake Edwards, pero Steve Wynn los descartó, aludiendo que "las letras, repletas de neurosis y de insatisfacción juvenil, estaban principalmente influenciadas en aquella época por el filósofo escocés Thomas Carlyle".

La primera canción de ese primer álbum, "Tell Me When It's Over", dio título en 1983 a un EP, distribuido por Rough Trade Records, donde se incluyó una versión en vivo de "Mr. Soul", composición de Neil Young para Buffalo Springfield. A partir de ahí, Kendra Smith abandonó la banda y fue reemplazada por David Provost.

En 1984, a través del sello A&M Records, publicaron el segundo álbum Medicine Show, producido por Sandy Pearlman,​ donde hubo citas jazzísticas en la canción "John Coltrane Stereo Blues". A lo largo de ese año también editaron un EP en directo, ¡This Is Not The New Dream Syndicate Album... Live!, último trabajo discográfico con Karl Precoda en la guitarra y primero con Mark Walton como bajista.

En 1987 lanzaron una versión de "Cinnamon Girl" de Neil Young y una de "Let It Rain" de Eric Clapton. Un año después editaron el cuarto álbum Ghost Stories, donde se incluyó una versión de Blind Lemon Jefferson. También en 1988 lanzaron un single compartido con The Bevis Frond que contenía una versión de "Blind Willie McTell" de Bob Dylan.

El álbum en directo, Live at Raji's, grabado en 1988, ​supuso el final discográfico de la banda y la separación en 1989, aunque entre 1993 y 1994 se publicaron dos recopilatorios, The Lost Tapes: 1985-1988, que recuperó canciones inéditas, ​y The Day Before Wine and Roses, con una actuación de radio de 1982 en el KPFK de Los Ángeles.

Con motivo de una gira por España en 2012, Wynn reunificó la banda con Walton y Duck, y añadiendo a Jason Victor, el guitarrista que formó parte de Steve Wynn and The Miracle Three.​ Junto a ellos, además de Chris Cacavas en los teclados y en la producción, se graba en 2017 el álbum How Did I Find Myself Here?, publicado por el sello Anti- Records.

En 2018 se incluyeron tres nuevas grabaciones de Dream Syndicate como parte de un álbum recopilatorio, de título 3 x 4, junto a The Bangles, Salvation Army y The Rain Parade.

En 2019 editaron These Times, otra vez con Anti-Records, el mismo sello con el que también repiten en 2020 en el álbum The Universe Inside, un trabajo con ingredientes de krautrock, rock progresivo, psicodelia o jazz eléctrico. ​En 2022 publicaron, a través del sello Fire Records, el álbum Ultraviolet Battle Hymns and True Confessions, con los ineludibles ecos velvetianos, el inframundo sonoro del underground y el rock alternativo.

Con “How Did I Find Myself Here?” de 2017, Wynn presentó un nuevo Dream Syndicate y un enfoque fresco que, como siempre, estuvo dominado por guitarras potentes y letras literarias, pero esta vez con una inclinación experimental que encajaba en la psicodelia en These Times de 2019 y reveló Las influencias ambientales y progresivas de Wynn en Ultraviolet Battle Hymns y True Confessions de 2022.

A mí, Gilberto Medina Casillas, me encanta esta banda y todo el movimiento 'Paisley underground'.

 

https://youtu.be/P2ljHNaGMYo

 

https://youtu.be/M2PU4EY-nI8

 

https://youtu.be/Md-aHUXtJKg

 

https://youtu.be/AgavsxHsKNk

 

https://youtu.be/Dy7pVYBI8eI

https://youtu.be/lhYw6zPKU44