martes, 28 de junio de 2016




Premiata Fornería Marconi


“Premiata Fornería Marconi” cuando nació al mercado, tuvo dos problemas: El primero es que nacieron y editaron discos contemporáneamente con Emerson Lake & Palmer, Yes, Pink Floyd y Genesis, con lo cual la competencia en ese mismo segmento musical era feroz por la elevada calidad de los músicos vigentes, y el segundo era que, justamente por ser italianos, sus letras no estaban en inglés.


En un sentido estrictamente de mercado, el monopolio anglosajón mantenido por el eje Inglaterra-Estados Unidos era infranqueable. Y el idioma era definitivamente una barrera para el desarrollo del grupo. Quizás por eso es que no fue tan famosa la buenísima banda japonesa Kenso, los franceses de Aphrodite’s Child o los divertidos suecos Samla Mammas Manna, u otros italianos como Acqua Fragile.

El nombre significa “Primera Panadería Marconi”, y proviene justamente de la panadería en cuyo sótano ensayaban, allí en el norte de Italia cuando la banda comienza su recorrido en los finales de los 60´s. Sin embargo, recién en 1972 editan su primer LP, “Storia di un Minuto” siendo ese su formal lanzamiento al mercado profesional.


En Italia ya eran conocidos, lo que les permitía ser banda soporte cuando los supergrupos ingleses giraban por la península.

Ese mismo año, ya grabando en estudios más profesionales y en 16 pistas, sale al mercado “Per un Amico”. Todas las críticas utilizan muy correctamente la expresión “más refinado” para referirse a la característica de este disco en relación al primero.  La grabación llega a manos de Greg Lake, quien les propone un contrato con Manticore Records -el sello de Emerson, Lake & Palmer- para regrabarlos y distribuirlos. A efectos de lograr la deseada internacionalización, los temas son regrabados con arreglos de Greg Lake, y con nuevas letras (no traducciones), del amigo Peter Sinfield (King Crimson), y reeditados en el disco Photos Of Ghosts.  De allí se les tendió el puente de plata para el mercado americano.


Luego vendría “L’isola di niente” en (1974), reeditado también por Manticore (con la misma estrategia de letras en inglés de Sinfield) bajo el nombre “The World Became the World”.

Con el mercado americano a su disposición, comenzaron las giras fuera de Europa junto a nombres como The Beach Boys, The Allman Brothers, Aerosmith, ZZ Top, Peter Frampton, y otros.  


Sin embargo, la banda era criticada como débil por no tener un cantante con voz distintiva.  No todos tienen a Ian Gillan, Robert Plant o Jon Anderson al frente de sus filas, así que durante las giras por Estados Unidos las presiones crecieron.  En ese mismo año, otro gran grupo italiano perdía a su vocalista. Bernardo Lanzetti, de Acqua Fragile, quien tenía una ventaja fenomenal: hablaba bien inglés.

Bernardo Lanzetti fue convocado e incorporado inmediatamente. Pero como siempre ocurre, de la mano de los éxitos vienen los problemas.

El nuevo “supergrupo” publica “Chocolate Kings” (1975). El disco es buenísimo, pero era tan enorme la expectativa que la crítica lo castigó injustamente. 


Luego vino “Jet Lag”, en 1977, pero junto con la edición del disco Bernardo Lanzetti abandona el grupo y la magia comienza a disolverse.  Cambios permanentes en la banda, tensiones entre los mercados y gustos americanos versus los europeos, y algo de localismo italiano que nunca pudieron superar, afecta a PFM de tal manera que ya no volvería a ser igual.

Algo que hay que destacar es que PMF, como E.L.&P., realizó producciones tomando partituras de música clásica, Mozart, Saint Saéns, Bach, para sus fusiones progresivas.


La influencia de Emerson, Lake and Palmer es demasiado evidente, PMF tiende a tocar canciones con arreglos semejantes, pero para mí, Gilberto Medina Casillas, la suma de elementos de música clásica, un aire renacentista y algunos coros melódicos, junto con la presencia de instrumentos de aliento, le confieren a varios de sus álbumes elementos de originalidad, sobre todo en sus primeros discos, antes de la intensa intervención de la disquera y el trabajo de Greg Lake y Peter Sinfield, que modelaron a la banda italiana.

No fue considerada esta banda en el plan original de este Blog, dedicado a bandas influyentes. Hitos en la historia contemporánea de la música y “puntos de referencia” de la creación musical en nuestros días, pero la manifiesta preferencia de un amigo que ama la música, para quien PFM fue una grata revelación que le marcó de por vida, hizo que incluya a Premiata Forniera Marconi, en “Interser musical”.





https://youtu.be/SNc8spdFZ5E

lunes, 27 de junio de 2016




Thievery Corporation


Thievery Corporation es un dúo de DJ y productores musicales de la ciudad de Washington, Estados Unidos. Lo integran Rob Garza y Eric Hilton y ocasionalmente, músicos de sesión.


Su música puede definirse dentro del estilo de música electrónica denominado downtempo, con influencias del Dub, el acid jazz, la música de la India y de Brasil (esencialmente bossa nova), en una fusión combinada con una estética lounge.

Thievery Corporation edita su producción en el sello (propio) Eighteenth Street Lounge, así como también algunos de sus sencillos o EP han sido editados por los sellos 4AD y !K7.


En 2002 editaron a través de ESL, “The Richest Man in Babylon”. Este álbum de 15 pistas es similar en su timbre y sonido a su trabajo previo “The Mirror Conspiracy”, y contiene participaciones de vocalistas como Emilíana Torrini, Pam Bricker y Lou-Lou.)

Indra, la tercera pista de “The Mirror Conspiracy”, fue utilizada como parte del soundtrack de la película Vanilla Sky (2001) así como en avances de la serie The West Wing (5º episodio) y en promociones de la versión hindú de la cadena MTV para su programa Non Stop Hits.


Las letras de Thievery Corporation han estado notoriamente influenciadas por algunos de los últimos sucesos políticos de notoriedad. Canciones como Amerimacka, presente en su álbum “The Cosmic Game” y “The Richest Man in Babylon” del álbum homónimo, muestran la oposición que mantienen a las políticas de la administración del gobierno norteamericano presidida por George W. Bush, en su momento.

En septiembre de 2005, Thievery Corporation participó en el concierto de la Operación Alto al fuego (Ceasefire Operation), con el objetivo de detener la guerra en Irak.


Algunos temas de Thievery Corporation, extraídos de “The Richest Man in Babylon” y “The Cosmic Game” fueron incluidos en el menú del juego de video Tiger Woods PGA Tour 06, publicado por EA Sports en 2005.

En septiembre de 2008, al acercarse la temporada de elecciones, Thievery Corporation lanzó “Radio Retaliation” trabajo de estudio con manifiestas inclinaciones políticas anti republicanas.

Con una aparición especial de Mr. Lif, “Culture of Fear” apareció en 2011, con un formato de comentario social mezclado con pistas de Dub.

Sacaron en 2014, “Saudade”, con el cual pusieron su música en una dirección diferente, siendo un esfuerzo basado en el bossa nova, con vocalistas invitados como Lou-Lou, Ghelichkhani, Karina Zeviani, y Elin Melgarejo.


Thievery Corporation , con una mezcla de estilos y versiones, en una amplísimo espectro musical y de creatividad, que, creo yo, Gilberto Medina Casillas, debe ser reconocido, valorarse y disfrutarse.













jueves, 23 de junio de 2016





Sigur Rós


Sigur Rós (Acerca de este sonido /'sɪːɣʏr rouːs/ en islandés: «Rosa de victoria») es una banda islandesa de post-rock, con elementos de shoegazing y minimalismo. La banda es conocida por su sonido etéreo y por el falsete de voz de su cantante Jón Þór Birgisson.


Jón Þór Birgisson (Jónsi), Georg Hólm y Ágúst Ævar Gunnarsson formaron el grupo en Reikiavik, Islandia, en agosto de 1994. El nombre del grupo fue tomado de la hermana menor de Jónsi, llamada Sigurrós, la cual nació el mismo día. El grupo pronto ganó un contrato con la discográfica local, “Bad TasteQ. En 1997, lanzaron “Von” (Esperanza) y en 1998 la colección de remezclas “Vonbrigði” que significa en islandés "alteración de la esperanza".

En octubre de 2004, el primer álbum de 1997, Von, fue puesto finalmente en venta en Estados Unidos y el Reino Unido.


El reconocimiento internacional llegó en 1999 con el lanzamiento de “Ágætis byrjun” (Un buen comienzo), para lo cual el grupo integró a Kjartan Sveinsson. Ágætis byrjun representó un cambio substancial con respecto al álbum Von, huyendo del dream pop y los extensos sonidos ambient. Lo más innovador fue el uso de un arco de cello por parte del guitarrista Jónsi Birgisson, además de los ricos arreglos orquestales (uso de Octetos de cuerdas, entre otros).

El álbum fue muy bien recibido por la crítica internacional, llegando a ser aclamado como un álbum absolutamente imprescindible de nuestra época.


Tres temas, Ágætis byrjun, Svefn-g-englar, y una versión en directo del inédito Njósnavélin (más tarde conocido como Untitled #4, aparecieron en la película “Vanilla Sky”.

En 2002, el anticipado álbum fue lanzado. Todas sus canciones son cantadas en una jerigonza denominada vonlenska, creada por Jón Þór Birgisson. Comprende ocho canciones sin título, divididas en dos grupos: las primeras cuatro canciones son optimistas, mientras que las cuatro últimas son más sombrías y melancólicas.


En octubre de 2003, Sigur Rós junto con Radiohead compusieron música para la pieza de danza de Merce Cunningham, llamada Split Sides. Las tres canciones de Sigur Rós fueron llamadas Ba Ba Ti Ki Di Do y fueron lanzadas en marzo de 2004.

Su cuarto álbum de estudio, “Takk...” (Gracias...), fue lanzado el 3 de septiembre de 2005, con la descarga legal de su primer sencillo, Glósóli, publicado el 15 de agosto. A finales del 2005, lanzaron el EP de “Sæglópu”r, el cual incluye dos CD, el primero con tres temas nuevos y el segundo con tres vídeos. El grupo también escribió el guión del vídeo musical Sæglópur, que fue dirigido por ellos.


En 2007 lanzaron el doble álbum compilatorio “Hvarf-Heim” (2007)
El 23 de junio de 2008 se puso a la venta el quinto álbum de Sigur Rós, llamado “Með suð í eyrum við spilum endalaust”, que traducido al español sería “Con un zumbido en los oídos tocamos eternamente”.

En 2010, Crystal Castles usó un sample de “Inní Mér Syngur Vitleysingu”r para su canción “Year of Silence”, pero nunca se trató de una colaboración.


Por el momento, Sigur Rós ha vendido cerca de dos millones de álbumes en todo el mundo.[cita requerida] El 2 de noviembre de 2012, Georg Hólm confirmó que la banda ya había empezado a trabajar en un nuevo álbum, cuyo lanzamiento sería en 2013. Lo describió como un cambio radical de dirección, "un anti-Valtari". La banda presentó una nueva canción, titulada Brennisteinn («azufre»), en Reikiavik el 4 de noviembre en el festival Iceland Airwaves 2012.








sábado, 18 de junio de 2016





Violeta Parra


Violeta del Carmen Parra Sandoval (San Fabián de Alico o San Carlos, 4 de octubre de 1917 - Santiago, 5 de febrero de 1967 ) fue una cantautora, pintora, escultora, bordadora y ceramista chilena, considerada una de las principales folcloristas en América y gran divulgadora de la música popular de su país, a la que enriqueció con su obra. Es miembro de la prolífica familia Parra.


El aporte de Violeta Parra al quehacer artístico y musical chileno se considera de gran valor y trascendencia. Su trabajo sirvió de inspiración a varios artistas posteriores, quienes continuaron con su tarea de rescate de la música del campo chileno y las manifestaciones constituyentes del folclore de Chile y América Latina. Sus canciones han sido versionadas por diversos artistas, tanto chilenos como extranjeros.


Existe controversia sobre su lugar de nacimiento. La Municipalidad de San Carlos afirma —en su sitio oficial y un cartel a la entrada de la ciudad— ser «la cuna de Violeta Parra» y la casa ubicada en la calle El Roble #531-535 fue declarada monumento histórico en 1992 porque supuestamente allí nació la cantante. En cambio, la familia de Violeta Parra no ratifica este dato y en el sitio de la Fundación Violeta Parra se afirma que la folclorista nació en San Fabián de Alico, localidad ubicada al interior de San Carlos. Sin embargo, Isabel Parra, presidenta de la institución en honor a su madre, apoyó en 2013 la casa de San Carlos al afirmar que ella «será una sucursal de la fundación en el sur».


Su infancia transcurrió principalmente en el campo. Entre 1919 y 1921, la familia residió en Santiago, pero regresó ese mismo año al sur, a Lautaro; después se trasladó a Chillán y finalmente se instaló en Villa Alegre.

Su madre se afanaba sobre la máquina de coser para cooperar a la mantención de la numerosa familia. Violeta sufría continuamente de enfermedades, incluyendo un ataque de viruela a los tres años. Mientras mejoraba, se divertía junto a sus hermanos en las aguas del vecino río Ñuble y en los aserraderos y barracas del sector.

Los niños revelaron precozmente su inclinación al espectáculo. Imitaban a los artistas de los circos que se instalaban en las proximidades del hogar. Se disfrazaban con atuendos de papel; Violeta y su hermano Lalo, cantaban a dúo y montaron varias representaciones por las que cobraban entradas a los niños. Violeta empezó a tocar la guitarra a los 9 años, mientras que a los 12 compuso sus primeras canciones.


A principios de la década de 1950, comenzó su extensa labor de recopilación de tradiciones musicales en diversos barrios de Santiago y por todo el país. En estas andanzas, conoció a diversos poetas, incluyendo a Pablo Neruda. Es así como su repertorio —hasta entonces basado en boleros, cantos españoles, corridos mexicanos y valses peruanos— pasa a las canciones más tradicionales del campo chileno, que le permiten descubrir los valores de la identidad nacional como ningún otro artista lo había hecho antes.


Su actividad artística se diversificó: trabajó en cerámicas, pinturas al óleo y arpilleras. Trabajó un tiempo en un museo de arte popular y folclórico que ella misma fomentó a crear en la Universidad de Concepción y luego viajó por casi todo Chile, ofreciendo cursos de folclore y recitales.


En esta época, surgieron sus textos más combativos: canciones como «Miren cómo sonríen», «Qué dirá el Santo Padre», «Arauco tiene una pena» y «Según el favor del viento» formaron la base de la corriente musical conocida como la Nueva Canción Chilena. Las canciones fueron recogidas en las numerosas ediciones de Canciones reencontradas en París.


Tras intentos fallidos, Violeta Parra se suicidó a los 49 años en su carpa de La Reina a las 17:40 horas del 5 de febrero de 1967. Una capilla ardiente se levantó en su carpa y su funeral se llevó a cabo dos días más tarde, cuando fue enterrada en un nicho de la galería del Cementerio General de Santiago.

Mientras que para muchos resulta paradójico que la autora de «Gracias a la vida», un himno a la existencia, se suicidara un año después de escribirla, otros críticos de su obra perciben en la letra, en el estilo de musicalización, en los tonos usados y en la monotonía de sus temas, el reflejo de un estado de ánimo depresivo y una canción de despedida.


 Un día, Violeta Parra. me dijo:
“Me falta algo... No sé lo que es. Lo busco y no lo encuentro... Seguramente no lo hallaré jamás.”
Tito Mundt, periodista.











sábado, 4 de junio de 2016




Yellow Magic Orchestra


También conocida como YMO, es una banda japonesa de música electrónica conformada por: Haruomi Hosono (bajo, teclados y voz), Yukihiro Takahashi (batería y voz) y Ryuichi Sakamoto (teclados y voz). Tuvo un cuarto miembro, el programador musical Hideki Matsutake.

Usualmente son considerados como innovadores influyentes dentro del campo de la música electrónica popular. Han contribuido al desarrollo del “Synth Pop", “Ambient”, “House”, electrónica, electro, J-pop contemporáneo y la música “Hip hop”. De manera más amplia, su influencia es evidente a través de diferentes géneros de la música popular incluyendo: ”Dance”,  “Ambient”, “Chiptone”,  música de videojuegos, pop, y rock.
    

YMO fue pionera en el uso de sintetizadores, “samplers”, cajas de ritmo, computadoras y el uso de tecnologías para la grabación digital de audio en la música popular, no sólo experimental, por lo que al principio sus trabajos eran consideradas solamente como novedades.

La banda sin duda fue "adelantada a su tiempo", anticipó la tendencia global hacia las cajas de ritmo y el sampling, el electro pop durante la década de los ochentas, su enfoque pro-tecnológico, el uso de sonidos de videojuegos y por experimentar en gran medida con computadoras e instrumentos electrónicos.


Su primer álbum homónimo, “Yellow Magic Orchestra”, tuvo una producción vanguardista que fue muy popular, logró que lo que comenzó como un proyecto de estudio creciera a una verdadera banda con una carrera para sus tres miembros. El álbum incluía el uso de tecnología computacional (acompañada del uso de sintetizadores), que de acuerdo con “Billboard”, permitió a la agrupación crear un nuevo sonido que no era posible hasta ese entonces.

 Después del lanzamiento del álbum “Yellow Magic Orchestra”, una presentación en el Roppongi Pit fue presenciada por los ejecutivos de A&M Récords de Estados Unidos que estaban en el acuerdo de una sociedad con Alfa Records. Esto causó que se le ofreciera a YMO una oferta internacional. La canción más popular del álbum fue “Firecracker”, que después sería lanzada como single el siguiente año y posteriormente como “Computer Game”, la cual sería un éxito en los Estados Unidos y Europa.


Mientras que sus contemporáneos en Düsseldorf, y después en Detroit, utilizaban la tecnología de los sintetizadores para crear una distopía “oscura” en la música, YMO introdujo un enfoque más “alegre” a la música electrónica. De acuerdo a Sakamoto, ellos estaban “cansados” de los músicos japoneses que trataban de imitar la cultura europea y la música americana de en ese entonces, por lo que ellos buscaban crear “algo original de Japón”.

Kraftwerk fue una influencia para Sakamoto, que escuchó a la banda a mediados de los años setentas y después se los mostraría a sus compañeros de la banda. Ellos estaban impresionados por el “estilo formal” de Kraftwerk pero tratando de evitar su enfoque “alemán”. Describió la música de Kraftwerk “teórica, muy enfocada, simple, minimalista y sólida”. Su alternativa para el pop electrónico fue menos minimalista, incluía más variación en las líneas de los sintetizadores, introduciendo sonidos más “alegres”, y haciendo un mayor énfasis en la melodía en contraste al “pop robótico” de Kraftwerk.

La banda retomó un amplio rango de influencias en comparación a Kraftwerk. Estas influencias en YMO incluyeron la música electrónica japonesa (como Isao Tomita), música tradicional japonesa, música china experimental (de la revolución cultural), música hindú (como Ravi Shankar y la música de Bollywood), sonidos de arcades, rap estadounidense, exotica, ska, los trabajos de Giorgio Moroder, los Beatles, The Beach Boys y su letrista Brian Wilson,Van Dyke Parks, música clásica, zoomusicología, y la música noise. Sakamoto ha expresado que su enfoque cuando está haciendo música es que “no existe el límite entre la música y el ruido.”


Seguido de un acuerdo publicitario con Fuji Cassette, la agrupación comenzó el boom de la popularidad de la música electrónica pop, llamada "Technopop" en Japón, donde tuvieron un impacto similar al de los Beatles en Reino Unido.

Durante un tiempo YMO fue la banda más popular de Japón.

Haciendo un uso abundante de los nuevos sintetizadores, samplers, secuenciadores, cajas de ritmo, computadoras y grabación digital tan pronto como estos estaban disponibles, así como el uso de líricas cyberpunk en inglés, ellos extendieron su popularidad más allá de Japón.

“Solid State Survivor”, lanzado en 1979, fue el pináculo de YMO en Japón, ganando el Premio al Mejor Álbum al mejor álbum en el Japan Record Award.
En 1980, YMO se había convertido en la banda más popular de Japón. Su siguiente álbum “Public Pressure” estableció un récord en Japón, llegando a lo más alto de las listas y vendiendo 250,000 copias en dos semanas, mientras que el siguiente disco “X∞Multiplies” obtuvo 200,000 preórdenes. Durante el mismo año, los álbumes 'Solid State Survivor y X∞Multiplies mantuvieron los dos primeros lugares en las listas de “Oricon” por siete semanas consecutivas, haciendo de YMO la única banda en la historia de esta lista en lograrlo.

La banda era particularmente popular dentro del emergente comunidad de hip hop, la cual apreciaba los sonidos electrónicos de la banda, y en Bronx donde “Firecracker” fue un éxito y sampleada en el famoso “Death Mix” (1983) por Afrika Bambaataa. Mientras tanto en Japón, YMO se mantenía como el actor musical mejor vendido hasta 1982.

En agosto de 2009, la banda tocó en el festival World Happiness en Japón. La banda cerro la noche, y confirmó que “Yellow Magic Orchestra” Abrieron su participación con un cover de "Hello, Goodbye" de los Beatles, tocaron canciones originales de YMO.
En agosto de 2010, YMO nuevamente cerró el festival World Happiness.


En ese entonces, Billboard señalo que el uso de las tecnologías computacionales en conjunto con los sintetizadores permitió a YMO crear nuevos sonidos que no eran posibles hasta ese entonces.

“Yellow Magic Orchestra” fue el primer álbum con temática relacionada a las computadoras, lanzándose antes que “Computer World” de Kraftwerk (1981) años después.

Como resultado de las innovaciones, a YMO se le da el crédito de haber “guiado a la era de los programadores de computadoras como estrellas de rock.”


YMO fueron pioneros del synthpop, un género en el que su influencia aún es evidente en el rock contemporáneo y la música pop. En 1993, Johnny Black de “Hi-Fi News” reseño el disco Hi-Tech/No Crime’’, describiendo a YMO como “la más atrevida e influyente banda de música dance que el mundo ha tenido” agregando que “sin ellos (y Kraftwerk) la música de hoy sonaría como música de ayer.” En 2001, Jason Ankeny de “Allmusic” describió a YMO como “influencia seminal en la música electrónica contemporánea, muy popular dentro y fuera de su país” y los coloco en “antes de Kraftwerk como innovadores de la cultura electrónica de hoy.”