martes, 30 de mayo de 2017





Jefferson Airplane


Fue una banda estadounidense de rock surgida en la ciudad de San Francisco (California), pionera del movimiento psicodélico influenciado por el LSD. Fue una de las primeras bandas de la escena de San Francisco en gozar de éxito comercial y crítico.


Grace Slick, Signe Toly Anderson, Marty Balin, Bob Harvey, Paul Kantner, Jorma Kaukonen, Jerry Peloquin, Skip Spence, Jack Casady, Spencer Dryden, Joey Covington,Papa John Creach, John Barbata, David Freiberg, fueron los miembros de esta excelente banda fundadora.


A fines del decenio de la década de los 60, Jefferson Airplane era una de las bandas mejor pagadas de todo Estados Unidos. Sus discos fueron internacionalmente exitosos y se vendieron en gran cantidad, y tuvieron dos hits en el Top 10 estadounidense más una seguidilla de álbumes que se ubicaron en el Top 20. Su disco de 1967, Surrealistic Pillow, sigue siendo considerado como una de las principales obras del llamado "Verano del Amor", y trajo el reconocimiento internacional del grupo (así como dos hits, "Somebody to Love" y "White Rabbit")


Jefferson Airplane se formó en San Francisco durante el verano de 1965, surgiendo de la Bahía de San Francisco durante el auge de la música Folk. A pesar de que la banda fue considerada como un grupo de San Francisco, Paul Kantner era el único nativo de dicha ciudad.


El origen del nombre del grupo es a menudo controvertido. "Jefferson Airplane" es, en la jerga, el papel usado para la marihuana que se ha fumado demasiado como para agarrarlo sin quemarse las manos (La “bacha”.)


El grupo hizo su primera aparición pública como Jefferson Airplane en la noche inaugural del club Matrix el 13 de agosto de 1965. El grupo, ampliado de sus raíces folks, aprovechando la inspiración de The Beatles, The Byrds y The Lovin 'Spoonful, poco a poco fue ampliándose hacia un pop con sonidos más eléctricos.


“Jefferson Airplane Takes Off!”, fue lanzado en septiembre de 1966. En él se hace notar la fuerte influencia de la música Folk en el caso de las canciones "Tobacco Road" de John D. Loudermilk y "Let's Get Together" de Dino Valente, también "It's No Secret" y "Come Up the Years", escritas por Marty Balin. El LP recibió considerable atención en los EE. UU. y se convirtió en un álbum de oro.


Durante este período, la banda obtuvo su primer reconocimiento internacional cuando la creciente estrella del pop británico Donovan, que los vio en un recital durante su gira en la Costa Este estadounidense a principios de 1966, mencionó a Jefferson Airplane en su canción "The Fat Angel", que posteriormente apareció en el LP Sunshine Superman.


El segundo LP del grupo, “Surrealistic Pillow”, grabado en Los Ángeles con el productor Rick Jarrard en sólo trece días y a un costo de 8,000 dólares, supuso la fama internacional para la agrupación.


Publicado en febrero de 1967, el álbum entró en el ranking de Billboard el 25 de marzo y permaneció allí durante más de un año, llegando hasta el puesto Nº 3. Junto a "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de The Beatles y "Forever Changes" de Love, se lo considera, en general, como uno de los álbumes seminales del "Verano del Amor". El nombre de Almohada Surrealista fue sugerido por el "productor misterioso" del álbum, Jerry García, cuando mencionó que, en su totalidad, el álbum suena "como una almohada surrealista" Si bien la RCA (la discográfica) no reconoce a García como un contribuidor considerable al álbum como para acreditarlo como "productor", aparece acreditado en el álbum como "asesor espiritual".


El tercer LP, “After Bathing at Baxter's”, fue lanzado el 27 de noviembre de 1967 y finalmente alcanzó su punto máximo en los charts en puesto #17. Su famosa portada, hecha por el renombrado artista y dibujante Ron Cobb, muestra un Heath Robinson volando alrededor de una versión idealizada de un típico distrito de Haight-Ashbury que está sumida en el caos total.


Entre 1967 y 1972 consiguieron colocar ocho álbumes en Top 20 de los EE. UU., con “Surrealistic Pillow” y “Crown of Creation” en el Top 10. Además, muchos de sus singles lograron figurar igual debido en parte a la creciente influencia de la radio FM, que pasaban muchas canciones de rock que la radio AM se negaba a pasar.


En el año 1969 se publicó "Bless Its Pointed Little Head", álbum en vivo que recogía las actuaciones de la banda en la gira por Europa y de recitales en el Fillmore West y Fillmore East. Se convirtió en el cuarto álbum Top 20 de la banda, alcanzando el puesto #17.


A principios de agosto de 1969, pocos días después de que la banda realizara un concierto gratuito en el Central Park de Nueva York, realizaron lo que Grace Slick llamó "música maníaca por la mañana" en el inicio de su actuación en el festival de Woodstock, para el que el grupo incorporó al notable tecladista de sesión Nicky Hopkins.


Inmediatamente después de su actuación en Woodstock, la banda tocó un concierto en vivo en The Dick Cavett Show; luego comenzó las sesiones para su próximo álbum, “Volunteers”, utilizando las nuevas tecnologías de 16 pistas en el Wally Heider Studio en San Francisco. Éste resultó ser el último álbum con la "clásica" formación del grupo. Este, fue lanzado en los EE. UU. en noviembre de 1969, “Volunteers” continuó la línea de álbumes Top 20, alcanzando la posición # 13 y álbum de oro a principios de 1970. El disco fue el más cargado políticamente, mostrando una franca oposición a la guerra de Vietnam y documentando los nuevos cambios sociales, culturales y políticos de EE. UU. Temas como "Volunteers", "We Can Be Together", "Good Shepherd", y el posapocalíptico "Wooden Ships", que Paul Kantner coescribió con David Crosby y Stephen Stills y que anteriormente Crosby, Stills & Nash, también habían grabado en su álbum debut.


Su siguiente LP “Bark” (cuya cubierta presentaba un pez muerto envuelto en una bolsa de supermercado de estilo A & P) se publicó en septiembre de 1971.


La banda permaneció junta el tiempo suficiente para un disco más, titulado "Long John Silver", que comenzó en abril de 1972 y salió en julio. Long John Silver se destaca por su cubierta, que plegaba en un paquete de puros(y en el centro de la foto se muestra un paquete de marihuana). El álbum llegó al # 20.













viernes, 26 de mayo de 2017






Instituto Mexicano del Sonido



También conocidos abreviadamente como IMS, es el proyecto del músico Camilo Lara, en el que mezcla estilos mexicanos de folk con electrónica y hip hop.


En el 2006 salió su primer disco llamado “Méjico Máxico”, bajo la tutela de la disquera mexicana independiente Noiselab y, en España, por el sello madrileño Lovemonk. Éste contiene fragmentos de cumbias, de chachachas, estructuras pop, mucha electrónica juguetona, mucho Esquivel, textos de Juan Rulfo recitados por el propio Rulfo, Dub y muchas cosas más. Surgido de pedacitos de más de trescientas canciones de los años 20 hasta los 60, "este disco refleja el color y el bullicio de una ciudad tan imprevisible como es México DF".


En el 2007 salió su segundo álbum llamado “Piñata”, el sencillo que se desprende de este álbum se llama El Micrófono, según él, este álbum contiene más ritmos que el disco anterior. La canción "El Micrófono" es parte de la banda sonora del videojuego FIFA 08, mientras que la canción "Alocatel" del FIFA 10, además el tema “A girl like you” es parte de la banda sonora de la primera temporada de la exitosa serie “Californication”.


En el 209 lanza un tercer álbum llamado “Soy Sauce” con el sencillo "Hiedra Venenosa".


En 2010, el IMS musicalizó al segmento "Suave Patria" perteneciente al desfile del Bicentenario de la Independencia de México; el álbum de nombre homónimo, contiene 6 canciones que, según un comunicado oficial, "crearon esta pieza musical tratando de evocar algunos pasajes de la Constitución Mexicana y representar un paisaje sonoro del Territorio Nacional".


En 2012 lanza “Político”, su 4.º álbum de estudio con canciones que refieren, como el título del disco lo dice, al entorno más político. “Com Es Toy" como uno de los sencillos más exitosos.


En 2013, el IMS protagonizó (junto a Don Cheto) en la estación de radio East Los FM de Grand Theft Auto V, a la vez que su canción "Es Toy" aparece dentro del juego.


En 2014 Camilo Lara graba su 5.º álbum de estudio junto con Toy Selectah. Con la ayuda de Red Bull grabaron en estudios de Jamaica, EUA (Nueva York y Los Ángeles), Londres y Brasil. 


El disco tiene muchos colaboradores entre los que se incluyen: Sly and Robbie Toots and Maytals Gogol Bordello (Eugene) Nina Sky Money Mark Mc Lyte N.A.S.A. Kool AD (Das Racist) Kut Masta Kurt Chrome Sparks Eric Bobo (Cypress Hill) Tanto Blacks Chedda Helado Negro Kita Kaine Notch Maluca Mala Benjamin Lozinger (Mø) Dj Lengua Matty Rico Tiombe Lockhart Angela Hunte Mela Murder Los Master Plus Dj Lengua Centavrvs Sergio Mendoza Jota (Los Planetas) Carlos Ann Ohmega Watts Dj Dusty Stro Elliot Pharo (The Leftovers) Dezzie Gee (The Leftovers) Speakz Ana Barbara (Regional Mexican Artist) Nic Haircourt Pilar (Los Abandoned)

“Extra! Extra! Extra!”, el último EP de IMS salió en 2015.


Esta agrupación, en realidad Camilo Lara, me lo recomendó en el año 2006 mi sobrino Alonso Veraza, quien, en ese tiempo, era un hombre feliz.

Es una banda original con decantaciones sonoras muy interesantes, algunas canciones de denuncia fuertes, valientes y como todo lo que sucede en este país (México), intrascendentes.













domingo, 21 de mayo de 2017





Canned Heat


Es una banda de blues rock y boogie rock formada en Los Ángeles en 1965. La importancia de este grupo no sólo reside en su música basada en el blues, sino también en sus esfuerzos para reintroducir y revivir las carreras de algunos grandes bluesmen, así como sus habilidades para la improvisación.


El grupo lo lideraban Alan "Blind Owl" Wilson -"Búho Ciego"- (guitarra, armónica y voces) y Bob Hite ("The Bear" -El Oso-) (voces y armónica). Henry Vestine (alias "Sunflower" -Girasol-), ex miembro de The Mothers of Invention, de Frank Zappa, se encargaba de la guitarra. Larry Taylor ("The Mole"-El Topo-) (mejor conocido hasta entonces como el bajista de The Monkees), era su bajo de estudio hasta que acabó uniéndose al grupo por completo durante los setenta junto con el batería Frank Cook, posteriormente se incorporó definitivamente al grupo el baterista mexicano Adolfo "Fito" de la Parra. Canned Heat cogió su nombre de "Canned Heat Blues". Esta canción de Tommy Johnson, creada en 1928, habla de un alcohólico que ha empezado a beber desesperadamente.


Alan Wilson ayudó a redescubrir al cantante de blues Son House, acompañándole en su álbum de retorno en 1965. El grupo, que también se encontraba bien equipado, buscaba un contrato con la compañía Liberty Records, a través de la personalidad de Albert Collins, conocido bluesero.


El álbum con el que debutaron, “Canned Heat”, se grabó poco después de su aparición en 1967 en el Festival Pop de Monterrey.


Adolfo de La Parra (8 de febrero de 1946, Ciudad de México) remplazó a Frank Cook en la batería para su segundo álbum, “Boogie with Canned Heat”. Este álbum tuvo más éxito, debido al hit «On the Road Again». En 1969 realizaron el inconsistente álbum doble Livin' the Blues. A pesar de ello, les dio un nuevo éxito, «Going Up The Country», una canción construida alrededor del tema de Henry "Ragtime Texas" Thomas de los años 20, llamado "Bull Doze Blues"(frecuentemente citado como el "Bulldozerblues"). El guitarrista Harvey Mandel remplazo a Henry Vestine de 1969 a 1970. La banda apareció en agosto de 1969 en el ya legendario Festival de Música y Arte de Woodstock, participando en el filme y el álbum.


El siguiente año fue el punto musical culminante del grupo original. Trajeron a John Lee Hooker a grabar el álbum doble Hooker'N' Heat, en mayo de 1970. Fue el primer álbum de Hooker en figurar en las listas de popularidad, llegando a la posición 73 en febrero de 1971. Desafortunadamente, Alan Wilson murió de una sobredosis de droga en un "aparente suicidio" en septiembre de 1970, antes de la salida del álbum. Los resultados de la autopsia eran inconcluyentes y él no dejo nota o recado suicida, por lo que las circunstancias de su muerte siguen sin aclararse.


La banda tuvo otro éxito adicional con una versión nueva al tema de Wilbert Harrison «Let's Work Together».

En 1970 se unió a la banda para figurar como primera voz el hermano menor de Bob Hite, que cantaba y tocaba el bajo y colaboraba en los arreglos. Durante este periodo, grabaron “One More River to Cross” en Atlantic Records.


La última grabación en estudio con Bob Hite fue en 1978, dentro del álbum “Human Condition”, con Hite interpretando el tema principal, una vieja grabación de Alan Wilson, pero nunca fue lanzada. Una década después, en 1987, dentro del álbum “Hooker 'N' Heat” (Live at the Fox Venice Theater) fue regrabada y lanzada con Hite, llevando nuevamente a Hooker como invitado. Ambas grabaciones incluían la participación de Mark Skyer de la banda Chicago, la interpretación en vivo fue enriquecida por la participación de Larry Taylor en el bajo (una de las cortas reuniones con el grupo), Ronnie Barron en el piano y el grupo vocal Los Chambers Brothers.


Bob Hite murió en abril de 1981. Algún tiempo después murieron Vestine (en 1997) y Richard Hite (en 2001). Hacia 1989 las trayectorias de Canned Heat y Hooker se cruzaban nuevamente. Esta vez, fue invitado en la grabación del álbum “The Healer”, que fue nuevamente un éxito. Adolfo de la Parra conduce regularmente a la banda, y Larry Taylor regresó en 1994 después de haber abandonado el grupo en 1970. 


Taylor continuó como bajista principal de refuerzo en muchos grandes eventos, incluyendo a Kim Wilson y Tom Waits, "regresando" numerosas veces para hacer participaciones y grabaciones especiales para Canned Heat.

El ex Canned Heat Harvey Mandel fue considerado para reemplazar a Mick Taylor en The Rolling Stones. Consiguió aparecer en el álbum de los Stones “Black and Blue”. Su extenso trabajo como solista está considerado como el tema más exitoso del proyecto: "Hot Stuff".

Mandel continuó grabando, y realizando él mismo álbumes, y en 2004 grabó una canción escrita por Rod Underhill, un músico y abogado que participó activamente como director musical del proyecto original “MP3.com”. 

Mandel regularmente efectúa grabaciones y giras con el "Chicago Blues Reunion", junto a Nick Gravenites, Barry Goldberg, Tracy Nelson, Sam Lay y Corky Siegel.

Este grupo, Canned Heat, es icónico de los años sesenta, fueron precursores de rock blues fusión y se ganaron un lugar en la tradición musical con excelentes interpretaciones.







  













martes, 16 de mayo de 2017




The Byrds.


The Byrds fue una banda estadounidense de rock formada en Los Ángeles, California, en 1964. Hubo muchos cambios en la formación a lo largo de los años, con el líder Roger McGuinn (conocido como Jim McGuinn hasta mediados de 1967) como único miembro permanente hasta su disolución en 1973. 


A pesar de que solo lograron un éxito similar a contemporáneos suyos como The Beatles, The Beach Boys y The Rolling Stones durante un periodo corto de tiempo (1965–1966), aún hoy en día, muchos críticos les considera como una de las bandas más influyentes de los años 60. En sus comienzos, fueron pioneros del género musical folk rock, mezclando la influencia de The Beatles y otras bandas contemporáneas de la invasión británica con la música folk tradicional. A medida que transcurrían los años 60, la banda también comenzó a dejarse influir por el rock psicodélico, el raga rock y el country rock.


La mezcla de canto armónico y el sonido metálico de la guitarra eléctrica Rickenbacker de doce cuerdas de McGuinn sigue siendo influencial en la música popular hasta el día de hoy. Entre las canciones más perdurables de la banda están las versiones de «Mr. Tambourine Man» de Bob Dylan y «Turn! Turn! Turn! (to Everything There Is a Season)» de Pete Seeger, junto a canciones propias como «I'll Feel a Whole Lot Better», «Eight Miles High», «So You Want to Be a Rock 'n' Roll Star», «Ballad of Easy Rider» y «Chestnut Mare».


La formación original de The Byrds fue Jim McGuinn (guitarra líder, voz), Gene Clark (pandereta, voz), David Crosby (guitarra rítmica, voz), Chris Hillman (bajo, voz), y Michael Clarke (batería). No obstante, esta formación solo duró hasta comienzos de 1966, cuando Clark abandonó la banda debido a problemas de ansiedad y por su creciente aislamiento del resto de los miembros del grupo.


The Byrds siguió como cuarteto hasta finales de 1967, momento en que Crosby y Clarke también dejaron la banda.9 En ese momento McGuinn y Hillman decidieron reclutar nuevos miembros, entre ellos el músico de country rock Gram Parsons. Para finales de 1968, Hillman y Parsons también decidieron abandonar. McGuinn, quien para este momento se había cambiado el nombre a Roger después de un «coqueteo» con la religión Subud, decidió seguir con la banda y contrató entre otros a Clarence White, aunque en 1973 echó a todos para volver al quinteto original de la banda. En marzo de ese año, The Byrds publicó su último disco de estudio y poco después dejó de existir como banda.


Varios de los antiguos miembros de la banda pasaron a tener carreras en solitario o a tocar con otros artistas o bandas como Crosby, Stills, Nash & Young, The Flying Burrito Brothers y The Desert Rose Band. A finales de los años 80 Gene Clark y Michael Clarke comenzaron a tocar como The Byrds, dando inicio a una disputa legal con McGuinn, Crosby y Hillman por los derechos del nombre de la banda. Como resultado, McGuinn, Crosby y Hillman también se reunieron para hacer una serie de conciertos entre 1989 y 1990 e incluso grabaron cuatro nuevas canciones de The Byrds.


En enero de 1991 entraron en el Salón de la Fama del Rock, siendo esta la última vez que se pudo ver a los cinco miembros originales de la banda tocando juntos. McGuinn, Crosby y Hillman aún están en activo, mientras que Gene Clark murió en 1991 debido a un infarto de miocardio y Michael Clarke murió en 1993 debido a una insuficiencia hepática.


Los cinco miembros originales de The Byrds se reunieron por un corto espacio de tiempo a finales de 1972, ya que McGuinn aún tenía unos compromisos para hacer unos conciertos con la versión original de la época en la que grababan con Columbia Records. Las discusiones sobre la reunión entre Roger McGuinn, Gene Clark, David Crosby, Chris Hillman y Michael Clarke comenzaron en julio de 1971, al mismo tiempo que la banda ya había comenzado la grabación de Farther Along. 


A mitad de 1972 las negociaciones se aceleraron, debido a una oferta económica de David Geffen, fundador de Asylum Records, para reformar la banda original y grabar un nuevo disco. La reunión definitiva fue a comienzos de 1972, con un ensayo en casa de McGuinn, donde ya comenzaron a seleccionar material para el nuevo álbum.

Desde el auge de la banda de los años 60, la influencia de The Byrds en las generaciones de músicos de rock y pop venideras ha seguido en aumento, con bandas como Eagles, Big Star, Tom Petty & the Heartbreakers, R.E.M., The Bangles, The Smiths e innumerables bandas de rock alternativo de la era post-punk exhibiendo signos de su influencia. El escritor y músico Peter Lavezzoli describió en 2007 a The Byrds como «una de las pocas bandas en ejercer una decisiva influencia en The Beatles» y añadió que ayudaron a convencer a Bob Dylan de grabar con instrumentación eléctrica. Lavezzoli concluyó que «guste o no, términos tales como folk rock, raga rock y country rock se acuñaron por una razón: The Byrds fueron los primeros en hacerlo, y siguieron evolucionando, nunca quedándose en modo raga o country por mucho tiempo. Esto es lo que hizo a The Byrds una banda tan gratificante de seguir disco tras disco».


El musicólogo Martin C. Strong describe en su libro “The Great Rock Discography” que la versión de «Mr. Tambourine Man» de The Byrds «es una rebanada atemporal de agridulce e hipnótico pop» y un registro de que «hizo nada menos y nada menos que cambiar el curso de la historia del pop/rock». El escritor y músico Bob Stanley esribió en su libro de 2013 Yeah Yeah Yeah: “The Story of Modern Pop” que la música de The Byrds fue «un fenómeno, un misil; genuino, espeluznante y totalmente americano».


En su libro “Riot on Sunset Strip: Rock 'n' Roll's Last Stand in 60s Hollywood”, el musicólogo Domenic Priore intenta resumir la influencia de la banda comentando que «pocos de los contemporáneos de The Byrds pueden reclamar haber tenido tanto impacto en la cultura popular subversiva. La banda tuvo mucho más impacto en el mundo del que cualquier posición en las listas Billboard o ventas o cifras de asistencia a sus conciertos pueda posiblemente medir».


En 2004, la revista Rolling Stone posicionó a The Byrds en el número 45 de su lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos.