miércoles, 22 de julio de 2020

Primal Scream





Primal Scream es un grupo de rock formado en Glasgow, Escocia en 1982, liderado por el que fuera batería de Jesus and Mary Chain, Bobby Gillespie. La formación predominante del grupo está constituida por los siguientes miembros: Bobby Gillespie (voz), Andrew Innes (guitarra), Martin Duffy (teclados), Simone Butler (bajo) y Darrin Mooney (batería). Otro guitarrista durante las giras es el productor Kevin Shields que fue miembro del grupo My Bloody Valentine. La banda tuvo contrato hasta el año 2000 con Alan McGee's Creation, firmando posteriormente un contrato con Sony/Columbia.


La banda fue introducida a la escena acid house por primera vez gracias a Alan McGee en 1988. Al principio se mostraron escépticos, como explica Gillespie: "Recuerdo que estaba bastante fascinado, pero no veía qué podía conseguir de eso". La banda, sin embargo, rápidamente desarrolló un gusto por ella y comenzó a asistir a fiestas raves. La banda se reunió con el DJ Andrew Weatherall en una rave y se le dio una copia de "I'm Losing More Than I'll Ever Have", una remix de una canción de Primal Scream, realizada para uno de sus espectáculos. Weatherall agregó un loop de batería del mix de un bootleg de Edie Brickell "What I Am" a lo que se sumó un sample de Gillespie cantando una línea de la canción de Robert Johnson "Blues Terraplane" y la introducción de la película de serie-B de Peter Fonda, The Wild Angels. La pista resultante, "Loaded", se convirtió en el primer gran éxito de Primal Scream, alcanzando el número 16 en el UK Singles Chart. Este fue seguido por otro single, "Come Together", que alcanzó el número 19.


La banda entró al estudio con Weatherall, Hugo Nicholson, The Orb y Jimmy Miller en producción y junto a ellos Martin Duffy, ahora a tiempo completo en los teclados. Lanzaron dos singles más: "Higher Than The Sun" y "Don't Fight It, Feel It", los cuales tuvieron éxito. El álbum “Screamadelica” fue lanzado en el otoño con excelentes comentarios. Blot Magazine dijo que el álbum era "al mismo tiempo actual y atemporal." El álbum también fue un éxito comercial masivo alcanzando el número ocho en las listas británicas. El álbum ganó la primera edición del Premio Mercury en 1992.


En esta época, la banda grabó el EP “Dixie Narco”. Algunos de los temas mostraban un cambio de sonido, ahora en una línea de blues-rock más americano y empezando a mostrar una influencia de P-Funk.


En marzo de 1994, el primer single del nuevo disco, "Rocks", fue lanzado con éxito comercial. Significó el primer Top 10 en los charts de la banda y el único hasta la fecha alcanzando el número siete en las listas británicas. El sencillo no fue bien recibido, con la revista NME llamándolos "traidores del baile". El álbum “Give But Don't Give Up” fue lanzado en mayo con críticas variadas. Mientras que algunos elogiaron el nuevo sonido de la banda influenciado por The Rolling Stones.


Su siguiente álbum fue grabado en el estudio personal de la banda en dos meses, y se mezcló en un mes. Durante la mayor parte de la grabación Andrew Innes actuó como ingeniero mientras que la producción estuvo a cargo de Brendan Lynch y Andrew Weatherall.
La música en el álbum era una mezcla compleja entre shoegazing y ritmos dub, remontándose al éxito de las fusiones de “Screamadelica”, sin embargo, suena mucho más oscuro. Algunas canciones del álbum fueron inspiradas por la película de culto de 1971 Vanishing Point que precisamente da el título al álbum. Bobby Gillespie dijo que quería crear una banda sonora alternativa de la película, mientras las letras se inspiran en las experiencias pasadas de la banda con el abuso de drogas. Gillespie describió el álbum como "una grabación monstruosamente rápida y anarco-sindicalista". El primer single del álbum, "Kowalski", fue lanzado en mayo de 1997 y alcanzó el número 8 en las listas británicas. “Vanishing Point” fue lanzado en julio y revitalizó la viabilidad comercial de la banda. Las críticas fueron unánimemente positivas sobre el lanzamiento, la revista Entertainment Weekly calificó el disco como un "remolino hipnótico ácido de ida y vuelta" y Musik, respecto al momento de Primal Scream, dice que "el lugar de este grupo en el libro de historia de la música de finales de siglo 20 está asegurado." La inclusión en el álbum de la canción principal de la película Trainspotting también ayudó a cimentar el lugar de la banda en la cultura moderna alternativa.


En febrero de 1998 la banda lanzó el EP "If They Move, Kill 'Em". Aquí aparece por primera vez la colaboración de Primal Scream con Kevin Shields, con el remix de la canción que da el nombre al lanzamiento.


Las sesiones de grabación para el sexto álbum de la banda resultaron relajadas, en contraste con las tensas grabaciones de álbumes anteriores. La banda estaba en su mayor parte libre de drogas y su formación se había estabilizado definitivamente. A pesar de su paz recién descubierta, la banda siguió una dirección más dura y más furiosa musicalmente. Muchas de las canciones que se escribieron contenían letras abiertamente políticas, Gillespie dijo que la banda deseaba transmitir "lo que es estar en Gran Bretaña en los tiempos que corren." El álbum incluía apariciones de múltiples invitados, incluyendo The Chemical Brothers, el guitarrista de New Order Bernard Sumner y el exguitarrista de My Bloody Valentine Kevin Shields, quien ya se había convertido en un miembro semi-permanente de Primal Scream.


El primer sencillo de “XTRMNTR”, "Swastika Eyes", fue un éxito, llegando al puesto # 22 en las listas británicas. “XTRMNTR” sí le fue bien, alcanzando el puesto # 3. El contenido político fue bien recibido con Allmusic calificándolo de "realización dura, para todo un mundo que ha perdido el rumbo". En 2009 el NME coloco a “XTRMNTR” en el # 3 de los 100 mejores álbumes más grandes de la década. Destacaron también temas como "Kill all hippies" y "Blood money".

En 2000, la banda comenzó a grabar su séptimo álbum, “Evil Heat”, lanzado en 2002.


El 27 de marzo de 2012, se confirmó que Primal Scream seria el grupo telonero de The Stone Roses en su concierto de regreso en Heaton Park el 29 de junio de 2012.

El décimo disco de la banda, “More Light”, fue lanzado en mayo de 2013 bajo el propio sello de la banda, First International. El nuevo álbum fue producido por David Holmes, quien confirmó el lanzamiento en su página de Facebook el 11 de enero de 2013.


El 18 de marzo de 2016 publicaron un nuevo álbum titulado “Chaosmosis”.






domingo, 5 de julio de 2020

David Bowie




David Roberto Jones, es una figura importante de la música popular durante casi cinco décadas, Bowie es considerado un innovador, en particular por sus trabajos de la década de 1970 y por su peculiar voz, además de la profundidad intelectual de su obra.


Nacido en Brixton, en el sur de Londres, Bowie mostró gran interés por la música en su niñez, finalmente estudiando arte, música y diseño antes de embarcarse en su carrera profesional como músico en 1963. A pesar de haber lanzado un álbum (David Bowie) y varios sencillos antes, Bowie consiguió notoriedad en julio de 1969, cuando su sencillo «Space Oddity» llegó al top 5 de la lista británica de sencillos. 


Después de tres años correspondientes a una etapa de experimentación, resurgió en 1972, en plena era del glam rock, con su extravagante y andrógino álter ego Ziggy Stardust, gracias a su exitoso sencillo «Starman» y el disco The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. David Buckley, su biógrafo, describe el impacto de Bowie de esa época diciendo que «retó al núcleo de la música rock de la época» y «creó, posiblemente, el personaje más importante de la cultura popular». La relativamente corta vida de Ziggy probó ser solo una faceta de una carrera marcada por continuas reinvenciones, innovaciones musicales y presentaciones visuales de todo tipo.


Bowie consiguió, en 1975, su primer éxito en los Estados Unidos, gracias a su exitoso sencillo «Fame», coescrito con John Lennon y a su disco “Young Americans”, del cual dijo él mismo que era el disco definitivo del plastic soul (término acuñado por un músico de raza negra para describir a un artista blanco interpretando música soul).


El sonido significó un cambio radical del estilo que le había hecho famoso en el Reino Unido. Después de esto, confundió tanto a su discográfica como a sus seguidores estadounidenses con el disco minimalista “Low” (1977), la primera de tres colaboraciones con Brian Eno. Todos estos álbumes, conocidos como la «Trilogía de Berlín», entraron en el top 5 británico, además de recibir elogios de la crítica.


Después de disparejos éxitos comerciales a finales de la década de 1970, consiguió números uno en el Reino Unido con el sencillo «Ashes to Ashes» y su correspondiente álbum, “Scary Monsters (and Super Creeps)”


Colaboró con Queen en el número uno de las listas de venta «Under Pressure» para, poco después, volver a conseguir un éxito comercial con su disco de 1983 “Let's Dance”, del que se extrajeron los exitosos sencillos «Let's Dance», «China Girl» y «Modern Love». A lo largo de las décadas de 1990 y 2000, Bowie siguió experimentando con distintos estilos musicales, incluyendo blue-eyed soul, industrial, adult contemporary y jungle. No salió de gira desde su gira musical entre 2003 y 2004 A Reality Tour y no se presentó en vivo desde 2006. 


Su más reciente disco “Blackstar” salió al mercado el 8 de enero de 2016, apenas dos días antes de su fallecimiento.


Buckley dice de Bowie: «Su influencia fue única en la cultura popular, ha permeado y cambiado más vidas que ninguna otra figura pública». En la encuesta de 2002 de la cadena televisiva BBC de los 100 británicos más importantes, se colocó en el puesto número 29. Ha vendido, aproximadamente, 136 millones de discos a lo largo de su carrera. Ha recibido nueve discos de platino, once de oro y ocho de plata en el Reino Unido y cinco de platino y siete de oro en los Estados Unidos. En 2004, la revista Rolling Stone le posicionó en el puesto número 39 de su lista de los cien artistas más importantes de todos los tiempos y en el puesto 23 de su lista de los mejores cantantes de todos los tiempos.


El cliché sobre David Bowie es que fue un camaleón musical, adaptándose a la moda y las tendencias. Si bien esa crítica es demasiado simplista, no se puede negar que Bowie demostró una habilidad notable para percibir los movimientos musicales en su apogeo en los años 70. Después de pasar varios años a finales de los años 60 como mod y como un animador musical completo, Bowie se reinventó como cantante / compositor hippie. Antes de su avance en 1972, grabó un disco de proto-metal y un álbum de pop / rock, y finalmente redefinió el glam rock con su ambiguamente sexy personaje de Ziggy Stardust. Ziggy convirtió a Bowie en una estrella internacional, pero no se contentó con seguir produciendo glitter rock.



En los albores de los años 80, Bowie aún estaba en la cima de sus poderes, pero después de su exitoso álbum dance-pop “Let's Dance” en 1983, se hundió lentamente en la mediocridad antes de salvar su carrera a principios de los 90.

Incluso cuando estaba fuera de moda en los años 80 y 90, estaba claro que Bowie era uno de los músicos más influyentes del rock, para bien o para mal. Cada una de sus fases en los años 70 incursionó en una serie de subgéneros, incluyendo punk, new wave, goth rock, los nuevos románticos y electrónica. Pocos rockeros han tenido un tanta versatilidad.



Luego, quizá le pasó lo que dice León Bloy que le pasó a Víctor Hugo; que llegó a creerse Víctor Hugo.
David Bowie participó en todas las nuevas tendencias, aportando estilos y música, auténticamente de su tiempo, ‘glam rock’, androginia, colaboraciones con Queen y decenas de estrellas del Pop rock.



En 2014, Bowie lanzó una nueva compilación llamada “Nothing Has Changed”, que presentaba la nueva canción "Sue (Or in a Season of Crime)". Esta canción resultó ser la piedra angular del próximo proyecto de Bowie, “Blackstar”. 



Al llegar el 8 de enero de 2016, el álbum encontró a Bowie reuniéndose con Tony Visconti y explorando territorio aventurero, como lo indica su sencillo principal, "Blackstar". Solo dos días después de su lanzamiento, se anunció que David Bowie había muerto de cáncer de hígado. En una publicación de Facebook, Tony Visconti reveló que Bowie sabía de su enfermedad durante al menos 18 meses y creó a “Blackstar” como "su regalo de despedida". Superó varias listas nacionales, incluido el Billboard 200, que lo convirtió en su primer álbum número uno en los EE. UU.




En el transcurso de 2019, Parlophone lanzó una serie de sets de vinilo de edición limitada que destacan las demos que Bowie grabó en 1969. Al final del año, estas grabaciones se recopilaron junto con una nueva mezcla de David Bowie (Space Oddity) en la caja de conversión “Piece”.




La verdad Bowie no es 'santo de mi devoción', pero debe estar en Interser Musical. no en balde entró al Salón de la fama del Rock en 1996.









Y este es el vídeo de “Blackstar”, que nos dejó como herencia.